Viernes 13 de noviembre, 19:30 horas. Auditorio de Oviedo: Abono 4 “Falla / Nielsen”, OSPA, Maximilian Von Pfeil (cello), Esperanza Fernández Vargas (cantaora), Álvaro Albiach (director). Obras de E. Bloch, Falla y Nielsen.

El cuarto de abono nos traía un programa aparentemente heterogéneo aunque escuchando al director valenciano Álvaro Albiach (Lliria, 1968) en el encuentro previo junto a Fernando Zorita, esta vez en la Sala de Exposiciones, ya entendimos que eran tres visiones contemporáneas donde los compositores plasmaron sus inquietudes, zozobras y también esperanzas casi en el mismo año, con la Primera Guerra Mundial sobrevolando unos tiempos convulsos que tristemente en el arte suelen dar lugar a verdaderas obras maestras. Aunque llevo años bautizando a Oviedo como “La Viena española” por la amplia oferta musical, este viernes coincidía con la primera función de “Macbeth” y las coincidencias del destino hacían que la velada se abría con el compositor suizo Ernest Bloch (1880–1959), quien compuso también una ópera en tres actos del mismo título e inspiración en Shakespeare, aunque sería su Rapsodia hebraica que lleva como título Schelomo, el nombre hebreo del rey Salomón cuya voz es el violonchelo solista, en este viernes de abono con el principal de la OSPA Max Von Pffeil, otra oportunidad para seguir disfrutando de la calidad que los músicos de la orquesta asturiana tienen, y así lo demostró el chelista alemán, bien concertado por el maestro valenciano en esta partitura de Bloch. Sobre esta página, el suizo escribió un artículo publicado en «Música Hebráica» en 1938: «En mis obras denominadas ‘Judías’ no he abordado el problema desde fuera, empleando melodías más o menos auténticas, o fórmulas, ritmos o intervalos ‘orientales’…. No! Sólo he escuchado una voz interior, profunda, secreta, insistente, ardiente, un instinto mucho más que una razón fría y seca, una voz que parecía venir de lejos, más allá de mí mismo, más allá de mis padres. Toda esta herencia judía me conmovió profundamente; renació en mi música. Hasta qué punto es judío, hasta qué punto es sólo Ernest Bloch, de eso no sé nada. Sólo el futuro lo decidirá».

Con una plantilla poderosa (3 flautas, la tercera hace las veces de flautín, 2 oboes, corno inglés, 2 clarinetes, clarinete bajo, 2 fagotes, contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timbales, bombo, platillos, caja, gong, arpa, celesta y cuerdas), a esta rapsodia para cello solista los musicólogos la enmarcan en el llamado “Ciclo Judío” (entre los Tres poemas judíos y la Sinfonía Israel-) verdaderas meditaciones existenciales del compositor suizo, quien decía “todo esto está en nosotros; todo esto está en mí, y es la mejor parte de mí. Es todo esto lo que intento escuchar en mí y transcribir en mi música; la venerable emoción de la raza que dormita en nuestra alma”. Max Von Pffeil interpretó con profundidad la gloria, la grandeza y la sensualidad humana del gran Rey Salomón pero también la desesperación lírica, una música que une su herencia antigua y su conciencia viva. Las inflexiones judías de la música son inmediatamente perceptibles, jugando con los glissandi, pero provienen del interior de Bloch y no de fuentes etnomusicológicas. La armonía es austera en sus cuartas y quintas desnudas donde el cello habla desde las cuatro cuerdas con toda su expresividad, comenzando con una sola nota en su registro más alto y expresivo para terminar con una resignación filosófica sobre el re grave, mientras la orquesta suena a menudo al unísono, con un empaste tímbrico envidiable, hoy comandada por la búlgara Gergana Gergova, concertino de la Orquesta Sinfónica de Madrid. Excelencia en todos los solistas de la orquesta asturiana y un Salomón bíblico que nos hizo reflexionar desde una escritura muy interiorizada pese a las dificultades que esta partitura entraña.

Para no perder ese espíritu reflexivo y hasta religioso, la propina de Von Pffeil sería Bach y la Sarabande de la Suite nº 2 en re menor,  BWV 1008, el instrumento más cercano a la voz humana hecho plegaria solista.

De todos es conocida la religiosidad de Manuel de Falla (1876–1946), enlazando con la de Bloch, pero también cómo el cante jondo le cautivó desde su Tacita de Plata natal. En los albores de este 2026 conmemorando los 150 años del gaditano, no podía faltar El amor brujo, que comenzó a escribir en 1914, aunque abandonaría París al principio de la Primera Guerra Mundial, y escucharíamos la versión de 1925, apostando para este último homenaje de la OSPA por la cantaora sevillana Esperanza Fernández (1966), con quien disfruté en Granada un inolvidable homenaje a Lorca junto al pianista gaditano Chano Domínguez. Tributo a la destinataria Pastora Imperio y respeto de la trianera por este ballet sin danza que afrontó cual torera del cante, vestida de plata y azabache, con su peculiar timbre agudo que transmite el “quejío” de su barrio natal, no ya en las partes habladas, sino en todo el texto de María de la O Lejárraga, dramaturgia en dicción y cante jondo. Candelas, la joven gitana viuda perseguida por el fantasma de su celoso marido, invocando a su nuevo amante Carmelo. Las manos de la sevillana hablan, el movimiento recogido subraya y enriquece la música, los pies descalzos remarcan el origen, su expresión facial acompaña los giros flamencos que las voces líricas nunca alcanzan, siendo las cantaoras quienes le dan la visión popular del folklore llevado a las salas de concierto (y atesoro muchas grabaciones aunque siempre tengo presente a la inolvidable Rocío Jurado). Desde una amplificación discreta pero suficiente, fuimos disfrutando del pellizco flamenco de Esperanza Fernández en los catorce números, una noche de “brujería gitana” para conseguir el nuevo amor, el fantasma que asusta primero a la pareja (Danza del Terror), Candelas intenta exorcizarla (Danza Ritual del Fuego) que despertó los espontáneos aplausos de un público hechizado por el Falla de Esperanza.

Aún seguiría avivando el fuego fatuo, la burla en el juego del amor, hasta el amanecer con las campanas sinfónicas y abriendo el negro sobre la plata cual ángel gitano, con un Albiach verdadero mago de la concertación para embrujar a esta OSPA que transita todos los estilos con la solvencia y madurez que dan los años unidos al relevo generacional. Destacar las excelentes intervenciones de los jóvenes Pelayo Cuéllar (chelo) o Lucía Ortiz (viola) junto a los veteranos en el oboe o la trompeta.

Tras el descanso llegaría La Cuarta de Nielsen, terminada en 1916, que podría interpretarse como una reacción a la PGM, aunque el compositor danés no sugirió esto específicamente sino que apuntó a una concepción universal cuando dijo: «La música es vida, y, como la vida, inextinguible». La música y la vida, podría haber dicho Nielsen, son inexplicables  enlazando con el primer Bloch. En su propia vida, Nielsen, como Mahler, mantuvo una carrera como director de orquesta y, al igual que su homólogo austriaco, componía compulsivamente entre apariciones públicas. Como estaba inmerso a diario en la música de otros compositores, en sus propias obras hay atisbos de música de Brahms, Dvořák, Sibelius y otros, pero aún menos de lo que cabría esperar. “The Inextinguishable” consta de cuatro movimientos interconectados, compleja en la forma donde acumula ideas y sonoridades por momentos hirientes mezcladas con esa luz tan peculiar de los países nórdicos y un sentimiento incluso juguetón del compositor nacido cerca del Odense de Hans Christian Andersen. Compleja sencillez en última instancia para alcanzar el objetivo deseado.

La orquestación de esta cuarta sinfonía aún sumaría efectivos a la rapsodia de Bloch, puesto que el viento con 4 trompas y el resto “a 3” más el set con dos timbales obliga a una cuerda mayor (12/10/9/7/5), que bien llevada por el maestro de Liria consiguieron mantener el equilibrio y presencia en sus cuatro movimientos. El primero (Allegro) lanza un empuje de energía demoníaca que parece incapaz de contenerse: primero los vientos, con intervenciones de los timbales, insistiendo repetidamente en un motivo declamatorio de tres notas antes de precipitarse en una vigorosa serie de tresillos. Cuerda de presencia importante y elemental en el movimiento antes del extenso arrebato inicial que se calma finalmente con descendentes notas repetidas en las flautas y luego en los clarinetes. Impecables siempre las maderas que posteriormente presentan un suave tema secundario (en terceras sibelianas), empleando las conocidas notas de adorno melódicas del danés, dando pie al material del tercer movimiento para en el final, convertirse en el elemento conciliador de la sinfonía. Tras una tumultuosa elaboración, los violines, animados por los timbales, dan paso a un allegretto que, con su pizzicato de maderas y cuerdas (al estilo de Brahms), adquiere el carácter de un “intermezzo”, la herencia sinfónica vista desde el país donde se autoproclaman “latinos del norte”. Los tres clarinetes despejan el camino hacia el tercer movimiento Poco adagio quasi andante. Inicio intenso, amplio canto de los violines sobre unos timbales palpitantes que presentan un material que también ocupará un lugar destacado en el final. Agitadas notas repetidas, una huella típica de Nielsen, salpican el paisaje dramático, los colores del otoño danés muy parecidos al asturiano, y un puente hacia el cuarto movimiento (Allegro), auténtica avalancha de actividad violinística donde el virtuosismo se alcanzó por la precisión y tímbrica, conduciéndose al tema principal, síntesis del tema lírico del primer movimiento y partes del movimiento lento. Llegaría el final con unos primeros momentos de exaltación (marcados como «Glorioso» en la partitura) interrumpidos por un feroz dramatismo en el que se despliegan de forma impresionante los dos pares de timbales, que siempre asocio a los vikingos y sus toques de guerra. El clímax de la obra, expresivo de su “inextinguibilidad”, es llevado al triunfo final por el tema principal (el  secundario del clarinete del primer movimiento) entonado por vientos, metales y cuerdas graves, página final que enlaza con la gran tradición sinfónica del siglo XIX, poderoso y atractivo para una OSPA bien guiada por Albiach hasta el éxtasis sonoro, donde todas las secciones tuvieron una paleta sonora verdaderamente apabullante.

Habrá que esperar hasta enero para el siguiente abono (siempre repito que “no hay quinto malo”) aunque espera el foso para la Manon Lescaut de diciembre, pero seguiremos contándolo desde aquí.

PROGRAMA:

I

ERNEST BLOCH (1880–1959)

Schelomo: Rapsodia hebraica (1916)

MANUEL DE FALLA (1876–1946)

El amor brujo (1914, vers. 1925)

I. El amor brujo

II. Introducción y escena

III. En la cueva (La noche)

IV. Canción del amor dolido

V. El aparecido (El espectro)

VI. Danza del terror

VII. El círculo mágico (Romance del pescador)

VIII. A media noche. Los sortilegios

IX. Danza ritual del fuego

X. Escena

XI. Canción del fuego fatuo

XII. Pantomima

XIII. Danza del juego de amor

XIV. Final. Las campanas del amanecer

II

CARL NIELSEN (1865–1931)

Sinfonía nº 4, op. 29, FS 76 «Lo inextinguible» (1916)

I. Allegro

II. Poco allegretto

III. Poco adagio quasi andante

IV. Allegro