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Mozart entre dos B

15/11/2025

Pablo Siana Asturias, clásica, conciertos, conferencias, música, prensa, sinfónica , , , , , , Deja un comentario

Viernes 14 de noviembre, 20:00 horas. Auditorio de Oviedo, Le Carnaval, abono 3: OSPA, François Leleux (oboe y director). Obras de Berlioz, Mozart y Brahms. A las 19:15 horas, Sala de conferencias nº 5 – 3ª planta: encuentro con François Leleux -moderado por Fernando Zorita–.

Otro viernes donde elegir entre la ópera del Campoamor o el tercer de abono de la OSPA, así que Vivaldi me esperará en la tercera función pero este Mozart entre Berlioz y Brahms no se podía perder, y menos contando con  François Leleux (Croix, 1971) quien ya en el encuentro previo contagió su vitalidad y ganas de compartir tanta sabiduría, pues sin dejar nunca el oboe, al que casi nació pegado, la dirección le abría puertas a los grandes sinfonistas que no siempre escribieron para el instrumento que le acompaña toda la vida. Bromeaba antes del concierto con su ocupación del 80% en la dirección y «el otro 60% al oboe, matemática francesa», pues como esta vez, alternaba sus dos facetas.

El doctor Israel López Estelche en sus notas al programa presentaba el concierto como que «(…) traza un itinerario sonoro a través de tres formas de entender la orquesta: timbre, melodía y construcción; como una fuente de color inagotable, como conversación o discurso elegante y como creación arquitectónico-sonora, donde resuenan los ecos del pasado» y si le sumamos que a Leleux en sus muchos años desde el atril le han dirigido todas las grandes batutas, haciendo varias veces mención especial al gran Lorin Maazel, las obras elegidas dejarían claras tanto su concepción orquestal como su vitalidad contagiosa donde lo que busca es «compartir» tanto entre los músicos como con el público, con quien alcanzó la química que le llevó a saludar en múltiples ocasiones con ovaciones atronadores y algún que otro «bravo».

Con una OSPA cada vez más compacta sección a sección, hoy contando con Pablo Suárez como concertino invitado (esperando tener, algún día no muy lejano, cubierta esa plaza vacante desde «tiempo inmemorial», tras la jubilación de Sasha), elegir la obertura de El carnaval romano de Berlioz serviría para disfrutar de los tres elementos apuntados por el musicólogo y compositor cántabro que Leleux llevó «al pie de la letra»: el timbre sinfónico, que el compositor francés siempre trabajó como excelente orquestador (que la convierte «en un centelleante carnaval lleno de gran variedad de timbres, ritmos y melodías contrastantes, en un acto de deslumbrante imaginación sonora» como lo describe López Estelche), las melodías, que el director, como Maaazel, buscan fraseos más largos y completos, más una construcción, rica en colores tanto en el trazo como en el grosor, contando con la plantilla perfecta y bien equilibrada por la batuta de Monsieur Leleux.

Y para Mozart la plantilla se reduciría en efectivos pero no en la calidad y buen hacer por parte de todos. En el encuentro previo François Leleux nos comentó que entiende este concierto para oboe del genio de Salzburgo, compuesto con 21 años ya sin las obligaciones con Colloredo) como una ópera, y así interpretó los tres movimientos (I. Allegro aperto – II. Adagio non troppo – III. Rondo: Allegretto) con fiatos increíbles, fraseos «maazelianos», matices muy ricos, tímbricas alcanzando sonoridades de lo más variadas, y cada una de las cadencias virtuosísticas pero rebosantes de una musicalidad propia, con esos guiños humorísticos de Wolferl en feliz compenetración, entendimiento y concertación con una OSPA quasi camerística que le arropó y se plegó a todas sus indicaciones. Excelente interpretación de este concierto que el maestro francés habrá perdido la cuenta de las veces que lo ha tocado con las mejores orquestas, y la asturiana ya puede presumir de encontrarse entre ellas.

No podía faltar una propina donde seguir disfrutando de la magia del oboe, nada menos que Gluck y la «Danza de los espíritus benditos» del Orfeo y Euridice en esta versión que sustituye la flauta por la lengüeta doble de un instrumento rico no ya en sonido sino en emociones compartidas con una «cámara» de violines, cellos y contrabajo.

Hay sinfonías que deben escucharse al menos una vez cada temporada, pues son básicas en el repertorio orquestal sirven para poner a prueba la ductilidad y el magisterio desde el podio. La «Primera» de Brahms está entre mis preferidas (este verano en Granada quedé con sabor agridulce) y su último movimiento es la música que sirve de aviso al inicio de cada parte, para llamar al silencio previo, esta vez con toda la orquesta ya ubicada (el director francés es de los que arranca sin apenas respirar para avisar) sonriendo ante lo que ellos mismos interpretarían a continuación.

François Leleux también comentó, antes del concierto, de su largo aprendizaje que una de las claves para alcanzar una buena interpretación orquestal es «encontrar el tempo cómodo para todos», y doy fe que lo logró, pues la OSPA este segundo viernes de noviembre no solo mantuvo «el tipo» en todos los múltiples cambios que esta sinfonía del hamburgués tiene, sino que además disfrutó con los elegidos por el maestro francés. Así, el contraste del Un poco sostenuto – Allegro jugó con una primera parte profunda, lúgubre y mayestática antes del cambio brillante de la segunda, con balances muy logrados entre las secciones, sabiendo desde el podio qué hacer resaltar dentro de este legado beethoveniano de un Brahms que masticó esta primera casi 20 años antes de finalizarla. El Andante sostenuto mostró de nuevo los tres elementos (timbre sinfónico, melodías y construcción) con una cuerda homogénea junto a los vientos empastados y brillando en «sus» momentos. Un poco allegretto e grazioso resultó literal, el tempo ideal con ese toque optimista, rico en dinámicas, trompas sedosas, maderas «gustándose» (el maestro las felicitaría al final, especialmente a sus «colegas»), fraseos jugosos antes de esa «montaña rusa» que es el IV. Adagio – Più andante – Allegro non troppo, ma con brio. Los pizzicati de la cuerda sonaron poderosos en todos los matices y aires impuestos por el director francés, los timbales mandaron, los metales volvieron a ser broncíneos y las maderas brillaron como siempre. El juego de tiempos encajado a la perfección y las dinámicas amplias para engrandecer este gran final sinfónico.

Al contrario que en Granada, de donde retomo mis palabras, pero en sentido positivo, el juego de tempi funcionó precisamente por el buen encaje entre las secciones, las maderas no necesitaron «huir de la quema», los metales empastaron y prosiguieron con una sonoridad que suelo llamar «orgánica», los timbales mandando y la cuerda siempre con la homogeneidad tímbrica y una musicalidad, además de entrega, en parte por un director que supo contagiar su vitalidad para compartir tanta buena música. Mi querido Don Arturo Reverter hubiera dicho que esta vez sí hubo «sustancia».

PROGRAMA

HECTOR BERLIOZ (1803 – 1869)

Le carnaval romain: obertura

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756 – 1791)
Concierto para oboe en do mayor, K. 314

I. Allegro aperto – II. Adagio non troppo – III. Rondo: Allegretto

JOHANNES BRAHMS (1833 – 1897)

Sinfonía nº 1 en do menor, op. 68

I. Un poco sostenuto – Allegro
II. Andante sostenuto
III. Un poco allegretto e grazioso
IV. Adagio – Più andante – Allegro non troppo, ma con brio

P.D.: Crítica para LNE del domingo 16 de noviembre.

Bach, Mozart… y Sato

08/11/2025

Pablo Siana Asturias, clásica, conciertos, conferencias, música, música antigua, sinfónica , , , , , , , , , 2 comentarios

Viernes 7 de noviembre, 20:00 horas. Auditorio de Oviedo, Bach y Mozart, abono 2: OSPA, Shunske Sato (violín y director). Obras de Mozart, J. S. Bach y J. Ch. Bach. A las 19:15 horas, Sala de conferencias nº 5 – 3ª planta: encuentro con Shunske Sato -moderado por Fernando Zorita–.

No hace falta entrar a contar lo que supusieron nombres como Herreweghe, Leonhardt, Koopman, Suzuki o Gardiner con formaciones que afinaban por debajo de los 440 Hz (o más) como en la época en la que se hacía aquellas músicas, con instrumentos recuperados o reconstruidos, de sonoridades tan distintas, más la libertad expresiva que llegaron a llamar «interpretación historicista» o «historicismo musical» (actualmente se describe como «interpretación históricamente informada«), pues se dejaba atrás la grandiosidad romántica para volver a unos orígenes no muy estudiados aún en aquellos felices 60 y 70 -mejoraría en los 80- e incluso plantearse si había necesidad de contar con un director cuando solo era ponerse de acuerdo en el tempo y compartir sensaciones.

Está claro que con Shunske Sato (Tokio, 10 junio 1984) se nos disiparon las  dudas en el encuentro previo, pues como nos contaría, estudiando en la prestigiosa Julliard School no tenía la posibilidad de encontrar lo que allí faltaba y sí podía escuchar en unas grabaciones distintas, casi prohibidas en Nueva York, sintiendo la necesidad de venirse a París donde todo le cambiaría (más el posterior salto a los Países Bajos donde durante 10 años fue director artístico y concertino de la Sociedad Bach). Todos asentimos ante Zorita en lo «obligado» de interpretar más música del barroco por parte de las orquestas sinfónicas, pues programar este repertorio es cual puesta a punto de un motor, y elegir tres compositores tan unidos y necesarios esta vez supuso un feliz acontecimiento musical, con mejor entrada que en el primero, mayor aún con un violinista que no deja de serlo, porque lo suyo no es -como bien nos dijo- dirigir, sino ejercer el liderazgo para poder transmitir y compartir su enfoque, sin perder pasión e implicar, con mucho ensayo, a los profesores. Y doy fe que se alcanzó en una hora sin pausas donde Sato en pie no se movió del escenario, como uno más pese a los distintos cambios de plantilla que supusieron las seis obras de este segundo abono.

La orquesta se dispuso «a la manera clásica» con los violines enfrentados, más dos parejas de contrabajos, por detrás de los violines, arropando el sonido global, sumando el clave de Alberto Martínez en el medio, poco perceptible pero siempre necesario, más en las obras elegidas. Después irían menguando o aumentando efectivos aunque Sato siempre fue uno más entre todos, sin soltar su violín (alternando dos arcos situados en un taburete), tocando con los primeros cual concertino, sumándose a cellos o violas, apenas marcando los inicios o pidiendo las dinámicas exactas desde su atril giratorio. Hasta en las dos obras donde actuó como solista nunca perdería su liderazgo ejercido desde la sencillez y discrección, «conduciendo» una OSPA aseada, rigurosa, implicada y hasta disfrutona, si se me permite el calificativo.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) sería inicio y final del concierto, con su primera sinfonía compuesta a los 8 años, y el último movimiento de la «Júpiter» escrita en la plenitud de los 32 (fechada el 10 de agosto de 1788, y última contribución al género sinfónico), para reconocerle su aprendizaje londinense con el último hijo de «Mein Gott», Johan Christian Bach (Leipzig, 1735 – Londres 1782) cuya música Nannerl comentaba era difícil distinguirla de la de su hermano con solo escuchar cuatro compases de cada uno, tal resultó la influencia y enseñanzas del último hijo de Bach, y por supuesto el descubrimiento del Gran Padre que era inevitable, marcando esa conexión del programa: «Bach pilar de todas las músicas».

La Sinfonía nº 1 en mi bemol mayor K. 16 (I. Molto allegro – II. Andante – III. Presto) pondría las revoluciones orquestales en su punto, sonoridades precisas, claras, con los aires rigurosos de los entonces tres movimientos clásicos aún influenciado por el Estilo Galante de su «english teacher» pero con una clara personalidad ya apuntada en el genio de Salzburgo, orquesta quasi camerística con oboe y trompas a pares que enriquecieron una sonoridad y estilo ya reconocibles.

Si Bach es el padre de todas las músicas, el propio Mozart orquestaría la Fuga nº 9 en mi mayor, BWV 878 (de El clave bien temperado) para cuerda, con Sato ejerciendo en pie de concertino impulsando cada motivo, cada frase, sumándose a cada sección para una exposición donde estudiar el genio de El Cantor de Leipzig e interpretarlo con la misma limpieza que el original para clave. Perfecto que nadie aplaudiese y así enlazar con el Concierto para violín en la menor BWV 1041,  una de las muchas joyas y partituras para los solistas donde una OSPA camerística sonó madura, adaptada al estilo y tímbrica -la sensación del ligero desafine en cellos y contrabajos es parte de ella- en tres movimientos (I. Allegro – II. Andante – III. Allegro assai) donde el violinista japonés mostraría todas las cualidades que le hemos disfrutado en los muchos vídeos grabados con la Nederlands Bach Society. Liderazgo y compenetración para una interpretación a la altura de la obra.

Y de «El Bach de Londres» llegaría su Sinfonía en sol menor, op. 6, nº 6, W. C. 12, como la propia Nannerl Mozart diríamos que la firmaría su hermano, tres movimientos (I. Allegro – II. Andante più tosto adagio – III. Allegro molto) impetuosos sin necesidad de «instrumentos de época», vientos a pares bien empastados (me encantaron las trompas abriendo su sonido como si fuesen naturales) y balanceados para una versión rica del pequeño de los Bach.

Mozart punto y final sin interrupciones: primero el Rondó para violín y orquesta en do mayor K. 373 para seguir disfrutando de Sato y la complicidad de una OSPA que se notaba entregada al placer de compartir esta música con el músico japonés: delicadeza, fraseo, presencia y pasión contenida, que Alejandro G. Villalibre comenta en sus notas al programa sobre el cuarto episodio en modo menor «… al que parece que Carlos Gardel se refería cuando afirmó en una carta “acabo de encontrar una melodía macanuda” que cristalizaría en su tango Por una cabeza« siendo «uno de los rondós solísticos de la época clásica (…) consecuencia de los conciertos a solo barrocos» como el escuchado de Bach.

Con la incorporación al orgánico de la espléndida flauta de Myra Pears bien empastada con oboes y fagotes, junto a los timbales naturales de Prentice, llegaría el broche de oro con el último movimiento (Molto allegro) de la Sinfonía nº 41 “Júpiter” K. 551, una explosión jubilosa, equilibrada, verdadera lección contrapuntística bien aprendida por ese prodigio irrepetible en la Historia de la Música, con Shunske Sato sujetando violín y arco con la mano izquierda para marcar con la derecha, retomándolo como concertino, entregado al genio de Salzburgo con el rigor y al fin la pasión «planetaria» en un concierto que supuso comprobar el excelente estado de la orquesta de todos los asturianos, hoy conducida por un japonés que supo llevarla en todas las velocidades y marchas sin necesidad de pasarse de revoluciones con la suavidad del mejor pilotaje.

PROGRAMA:

W. A. MOZART: Sinfonía nº 1 en mi bemol mayor K. 16 (I. Molto allegro – II. Andante – III. Presto).
J.S. BACH – MOZART: Fuga nº 9 en mi mayor, BWV 878, de El clave bien temperado (orq. W.A. Mozart, K. 405/3).
J. S. BACH: Concierto para violín en la menor, BWV 1041 (I. Allegro – II. Andante – III. Allegro assai).
J. Ch. BACH: Sinfonía en sol menor, op. 6, nº 6, W. C. 12 (I. Allegro – II. Andante più tosto adagio – III. Allegro molto).
MOZART: Rondó en do mayor K. 373.
Sinfonía nº 41 “Júpiter” K. 551: IV. Molto allegro.

Arranca otro curso musical

10/09/2025

Pablo Siana Asturias, ópera, clásica, conciertos, conferencias, discos, estreno, lírica, música , , , , , , , , , Deja un comentario

Septiembre es el mes de «la vuelta al cole», y en música supone también arrancar un nuevo curso, el 2025-26 lleno de ilusión, que en mi caso suele estar centrado entre Oviedo -con tan amplia oferta que me ha llevado a bautizarla como «La Viena Española»- y Gijón, aunque haga escapadas puntuales a otras ciudades que desde mi condición de jubilado desde hace tres años ya me puedo permitir sin consultar el calendario escolar.

Este viernes 12 de septiembre comienza la LXXVIII Temporada de Ópera ovetense con un título que supone su primera representación en el Teatro Campoamor: Hänsel und Gretel (1893) de Engelbert Humperdinck (1854-1921), a menudo catalogada como ópera de hadas (Märchenspiel) mejor que ópera infantil, aunque así se ha entendido a lo largo de tanto tiempo, incluso con traducciones a distintos idiomas de este cuento muy popular no solo en Alemania sino en todos los países nórdicos, siendo una ópera que no suele faltar por navidades y que además se estrenó en Weimar un  23 de diciembre de 1893 dirigida por un joven Richard Strauss, y casi un año después por Mahler en Hamburgo (25 de septiembre de 1894), por lo que debía refrescar el oído y prepararme para este estreno en la capital asturiana.

De mi discoteca saqué y llevo días escuchando una de mis joyas, considerada como una de las grabaciones clásicas imprescindibles (1971): la de Kurt Eichhorn dirigiendo a Anna Moffo y Helen Donath en los papeles de los hermanos o el padre de Fischer Dieskau entre otros, considerada como «una de las mejores grabaciones de la era estéreo, con ambiente claro y vocales evocadoras. Cristalina y poderosa destaca Christa Ludwig como La Bruja con un papel lleno de matices: comicidad e intimidación en perfecta mezcla, incluso con vívida caracterización vocal (risas, gruñidos) según MusicWeb Internationalclassicalcandor.blogspot.com, además de admirada por su profundidad dramática en este papel donde La Ludwig está insuperable.

Y la Ópera de Oviedo iniciaba este martes su ciclo de conferencias previo a los títulos programados en el Club de Prensa LNE, esta vez a cargo de la catedrática de Filología Inglesa de la Universidad de Oviedo Socorro Suárez Lafuente (Gijón, 1951), ya jubilada, que fue presentada por Adolfo Domingo, director de Publicaciones de Ópera de Oviedo.

El título ya nos puso claro que no deben faltar los cuentos en nuestra vida: «Hansel y Gretel: entre un mendrugo y un mazapán». Un placer escucharla decirnos que «contar cuentos a los niños siempre ha conllevado simplificar un mundo profundamente contradictorio», así Hänsel und Gretel refleja pobreza, hambre y valentía aunque el libreto de Adelheide Wette, la hermana de Humperdinck, endulza el libreto homónimo de los Hermanos Grimm con algunas variaciones: «Los padres no actúan por maldad, sino por necesidad, y eso introduce una crítica social aún vigente; en la vida real no hay héroes puros ni villanos absolutos, solo personas con motivaciones complejas. Pero para que los niños lo entiendan, hay que simplificar», remarcó la profesora.

Si Richard Strauss y Mahler dirigieron sus estrenos, en el asturiano tendremos al ovetense Pablo González, quien en una entrevista para LNE del pasado 30 de agosto comentaba: «Me quedé de piedra cuando supe que esta ópera nunca se había representado en Oviedo, estoy seguro de que, una vez que se estrene, volverá regularmente», añadiendo que «es un tesoro que va a fascinar en Oviedo», que contará con la escenografía del avilesino Raúl Vázquez (1982) al que «nacieron en en Bilbao» o el Coro Infantil Divertimento, verdaderos ángeles dirigidos por Cristina Langa, para enamorarnos a todos.

Socorro Suárez destacó que las numerosas vertientes del análisis crítico-literario de la obra, desde la teoría feminista, la psicología o la ecocrítica: «No se puede pedir más a una narración: niños que enfrentan la muerte, mujeres que encarnan tanto la crueldad como la valentía, un bosque que es al mismo tiempo amenaza y rito de paso, y una música que recoge la tradición del folclore alemán». Y el dulce que para la infancia es tentación y también deseo de algo que no estaba al alcance de los niños pobres, la casa de chocolate o mazapán, las galletas o incluso el fuego (purificador o infernal) así como las moralejas en unas narraciones que hoy no serían políticamente correctas.

Tampoco le faltó comentar versiones o recopilaciones de estos cuentos populares tras la transmisión oral al papel ya en el siglo XVIII, sin olvidarse de las recopilaciones españolas: desde las famosísimas de Saturnino Calleja (incluso fue muy famosa la frase «Tienes más cuento que Calleja«), Cecilia Böhl de Faber (que firmaba como Fernán Caballero) o el Padre Luis de Coloma con El ratoncito Pérez para el niño desdentado de su primer diente, el futuro Alfonso XIII. Y en un cuento (más aún en la ópera), el relato no es solo una aventura infantil sino el reflejo brutal de la pobreza, del abandono, del hambre y del miedo,  también de la valentía: «Gretel es valiente, no solo sobrevive, sino que toma la decisión de matar a la bruja para salvar a su hermano. En un contexto donde los niños sufren las consecuencias del conflicto entre el bien y el mal, se convierten también en los portadores de la esperanza», resaltó la profesora.

Y si la ópera es subir mi telón musical, aún queda por delante otra increíble temporada: el 27º ciclo «Conciertos del Auditorio»  y 34º de las Jornadas de Piano «Luis G. Iberni» del 29 de octubre de 2025 al 4 de junio de 2026, presentados en julio, la Temporada de Abono de la OSPA, ya con el nuevo gerente Oriol Roch Izard generando enormes expectativas para estos próximos años.

En el caso de la orquesta de todos los asturianos, el aperitivo será precisamente la ópera de Humperdinck, más 16 programas para los abonados en el Auditorio, a los que sumar los conciertos extraordinarios (en Semana Santa tendremos la Misa Nelson de Haydn), escolares, familiares, teniendo repertorio variado con nombres como Ian Bostridge, François Leleux, Bezhod Abduraimov, Vadym Kholodenko, Antje Weithaas, Shunske Sato, Javier Comesaña, Matthias Höfs, entre otros, tres nuevos artistas colaboradores (el violonchelista Nicolas Altstaedt, la flautista Clara Andrada y el pianista gijonés Martín García García), reivindicando siempre el talento asturiano con directores invitados como Pablo González, Óliver Díaz y Marco Antonio García de Paz, además de estrenos de compositores de la tierra como Jorge Muñiz, Gonzalo Martínez y Guillermo Martínez (1).

No quiero olvidarme de otro Ciclo CIMCO a partir del 18 de septiembre, con un concierto mensual hasta Navidad, o el Primer Festival de Piano «Joaquín Achúcarro», que ya dejé reflejo en este blog en su presentación, los próximos días 22, 23 y 24 de septiembre para poner bien alto este primer mes del curso escolar.

Por aquí seguiremos para reflejar toda la música que disfruto.

(1): Este jueves 11 me llegó por correo (cosas de vivir en una aldea) la programación de la OSPA que dejo a continuación:

Achúcarro vuelve a Oviedo

01/08/2025

Pablo Siana Asturias, clásica, conciertos, conferencias, educación, música, piano, prensa, recital , , , , , , , 2 comentarios

LA FUNDACIÓN MUNICIPAL DE CULTURA INAUGURARÁ EN SEPTIEMBRE EL I FESTIVAL DE PIANO “JOAQUÍN ACHÚCARRO” CON DOS INTÉRPRETES DE RENOMBRE INTERNACIONAL

Este viernes 1 de agosto me llegaba la siguiente nota de prensa de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento. de Oviedo, a la que añado enlaces y fotos:

La Fundación Municipal de Cultura (FMC) ovetense pone en marcha una nueva iniciativa ligada a la disciplina pianística que se estrenará en el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo el próximo mes de septiembre. La Sala de cámara del Auditorio acogerá los días 22, 23 y 24 a las 19:30 horas el I Festival de Piano “Joaquín Achúcarro”, una nueva cita con la música clásica ligada a la Fundación Southern Methodist University, con sede en Dallas (EE.UU.), que lleva el nombre del prestigioso maestro.Esta primera edición contará con la participación de dos destacados artistas internacionales: Alessio Bax y Lucille Chung, pianistas que forman parte de la Fundación Achúcarro y reconocidos por su brillante trayectoria internacional.

El festival incluirá una clase magistral impartida por Joaquín Achúcarro a estudiantes de música y pianistas en formación, reforzando el carácter pedagógico de esta iniciativa.

La programación abarcará un amplio repertorio que va desde Bach, Schumann, Liszt, Rachmaninoff y Chopin hasta Ligeti, Debussy o Piazzolla, con interpretaciones tanto solistas como a dúo.

“El Maestro Achúcarro es una de la figuras indispensables en la historia del piano, una figura ya legendaria, indisolublemente unida a Oviedo, desde que actuara por primera vez en la Sociedad Filarmónica en 1953”, apunta el presidente de la FMC de Oviedo, David Álvarez, quién quiso agradecer la implicación personal e  inestimable en la organización del Festival, de Dña. Janet Kafka, fundadora, presidenta y alma mater de la Fundación Joaquín Achúcarro, creada para ayudar a los pianistas que acababan sus estudios con Achúcarro en su cátedra de Dallas y empezaban su carrera internacional como intérpretes.

“Este nuevo festival bajo el nombre de Joaquín Achúcarro prestigia y refrenda el compromiso cultural y musical de Oviedo, ahora que estamos en la carrera por ser Capital Europea de la Cultura, siguiendo por la senda de la excelencia, buscando nuevos públicos y generando las condiciones para el encuentro y diálogo entre público e intérpretes”, finaliza el concejal.

Los abonos estarán disponibles desde mañana sábado 2 de agosto hasta el 4 de septiembre en los canales habituales: entradas.oviedo.es y en las taquillas del Teatro Campoamor (recordando que cierra sábados y domingos de este mes de agosto). El abono completo para los tres conciertos tendrá un coste de 36 € (estudiantes: 28,80 €), promoviendo así la fidelización del público y el acceso a experiencias artísticas de primer nivel.

Las entradas sueltas saldrán a la venta el 5 de septiembre con un precio general de 15 €, y un descuento del 20 % para estudiantes (12 €).

El festival cuenta con el apoyo inestimable de la Fundación Joaquín Achúcarro y la colaboración especial de la Fundación Reny-Picot, reafirmando la alianza entre cultura y mecenazgo empresarial.

JOAQUÍN ACHÚCARRO:

«Tengo esa alegría interna, secreta, tan difícil de explicar, que el Primer Festival que lleva mi nombre sea en Oviedo y lo estrenen mis chicos.

Oviedo fue uno de mis primeros contratos profesionales cuando yo era poco más que un guaje. Momentos de la vida que no se olvidan nunca. Fue el Concierto en re menor de Mozart con Ángel (Angelín) Muñiz Toca. Y después, cada vez que venía a Oviedo (y han sido muchas) había una anticipación de días felices. Y lo eran. Y ahora ver que he servido para algo.

La «prole» de Joaquín Achúcarro anda por el mundo llevando nuestro aforismo: Todos tenemos un límite… pero no sabemos cuál es. A trabajar para buscarlo.

Gracias Oviedo. Gracias Asturias (que también es Mi Patria Querida)”.

Personalmente siempre será una alegría enorme escuchar al maestro bilbaíno y socio de honor de la Sociedad Filarmónica de Oviedo, del que siempre guardo los programas de mis dos primeros conciertos donde le disfruté (el que encabeza esta entrada y sobre estas líneas). Después vendrían muchos más y el reconocimiento que la revista Codalario© le rindió en Madrid el 11 de octubre de 2014.

La Vetusta clariniana por La Castalia

30/07/2025

Pablo Siana Asturias, ópera, conferencias, lírica, música, piano, prensa, zarzuela , , , , , , , , , , , , , Deja un comentario

Martes 29 de julio, 20:00 horas. Teatro Filarmónica, «La Castalia en Vetusta: Un paseo lírico a través de «La Regenta» en su 140 aniversario».

Con el ovetense Teatro Filarmónica registrando un lleno digno de destacar, llegaba la I Edición «Ópera-Studio» que organizaba la Asociación «La Castalia» heredera de la que se fundó en el siglo XIX, presidida por Begoña García-Tamargo, con un muy trabajado espectáculo escénico-vocal a cargo de un elenco joven de artistas, muchos ya iniciada su carrera profesional, con la dirección de escena del donostiarra Íñigo Santacana.

Ya dejé reflejada aquí la presentación de este espectáculo que contó con el pianista Juan Carlos Martín junto a las voces femenias de Vilma Ramírez (soprano), Noive Solar (soprano), María Heres (mezzo), más las masculinas de Aitor Garitano (tenor) y Ángel Simón (barítono) junto a Laura Iglesias (actriz). Celebrando los 140 años de la publicación de «La Regenta» de Clarín, esta puesta en escena estuvo centrada en la creación lírico literaria con fragmentos de las óperas y zarzuelas citadas por Leopoldo Alas, con gran relevancia de ambos géneros en muchos capítulos, pero armando una trama de algunas de las obras citadas con su relación directa a la la época donde parecen coincidir con las representaciones donde «La Castalia» del siglo XIX participaría activamente en el Oviedo que Clarín convertiría en Vetusta, y que como indicaba el pasado miércoles Íñigo Santacana, la dramaturgia y la selección de los extractos más representativos de «La Regenta» se ubica en 1890 ensayando aquella decimonónica «La Castalia» los propios personajes clarinianos más una actriz que es la propia Ana Ozores con el conflicto al aparecer en medio e intentar integrarla en el montaje, con un diálogo que sigue poniendo a la sociedad frente a los bulos en nuestros días.

Resultó muy logrado lo meta-teatral con los dos planos que comentaba el pasado miécoles Santacana: el de los personajes reales de la primitiva Sociedad La Castalia (Clementina Bertrand, Lola García, Luisa Bontel, Álvaro Olay, Víctor Sáenz…) ensayando las obras, más el ficticio de Ana Ozores en un juego de los personajes de la novela universal de Clarín con los reales, contando con un atrezzo más que suficiente, un elegante vestuario de época donde no faltaron los peinados de entonces y las joyas, más una luminotecnia austera pero suficiente y realzando la acción sin pausa a cargo de Eduardo Espina.

Era difícil elegir  tantas de las obras citadas en «La Regenta» donde aparecen citas diez óperas y cinco zarzuelas, fiel reflejo no ya de la afición del zamorano hijo adoptivo de Oviedo, sino el conocimiento de la lírica tan bien hilvanada en el propio argumento de la mejor novela de nuestra historia local. Tanto Mª Luz González Peña, siempre colaborando con «La Castalia» desde el archivo de la SGAE, ayudando con los materiales utilizados, como los musicólogos de la Universidad de Oviedo, los doctores Mª Encina Cortizo  y Ramón Sobrino, pareja de indispensables por el conocimiento en la materia y su inestimable apoyo a «La Castalia del siglo XXI». Hilar las doce páginas fue todo un acierto desde la escena de un ensayo que fue toda una función lírica con las cinco voces participantes más la actriz.

 

A continuación dejo reflejados los números seleccionados para el espectáculo, con los cantantes así como sus respectivos personajes, otra difícil elección pero perfectamente acomodada a las partes cantadas que dieron la unidad argumental:

La soprano cubana Vilma Ramírez en los roles de Clementina Bertrand y de Ana Ozores, la también soprano  y. santanderina Noive Solar como Lola García y Petra, la mezzo asturiana María Heres como Luisa Montiel, el tenor donostiarra Aitor Garitano como Álvaro Olay y Álvaro Mesía, más el barítono venezolano Ángel Simón con el triple papel de Víctor Sáenz, Víctor Quintanar y el magistral Fermín de Pas.

Se abría la función casi como un cuadro con el dúo «Tardi si fa… Dammi il tuo viso« del Fausto de Gounod cantado por Vilma Ramírez como Margarita, y Aitor Garitano, buena pareja escénica y vocal, primer guiño a la ópera francesa tan del gusto de Clarín traducida a la lengua de Dante como era la costumbre de aquella Vetusta tan italiana como la actual, aunque siempre abierta a otras «modas».

Segunda cita clariniana en La Sonámbula de Bellini que “canta” Paco Vegallana y sobre las tablas Ángel Simón recreando con potencia y gusto el aria» Vi raviviso», siempre con el piano «orquestal» de Juan Carlos Martín en feliz entendimiento con todas las voces tras días de duro trabajo con ellas.

Y proseguiría la función con El barbero de Sevilla rossiniano donde Aitor Garitano «armado» con un laúd cantaría «Se il mio nome» con un color muy apropiado para su Lindoro bien contestado por una Rosina siempre acertada a cargo de María Heres, a quien Lola (o Petra) le tapa la boca antes de finalizar para así enlazar con el siguiente número, enlazado con los diálogos y cambios de posición en el escenario donde todas las voces están presentes.

Muy interesante poder escuchar el cómico terceto «Cuidado no os haga daño» de la zarzuela de Gaztambide Los magyares, ya en el repertorio de aquella Castalia del XIX, esta vez más actual que nunca con Simón, Solar y Garitano verdaderamente simpáticos, dominio escénico en una partitura recuperada para esta Vetusta de nuestro tiempo que sigue teniendo «sus esforzados cantantes» además de excelentes actores.

En Oviedo no puede faltar Verdi y tampoco en «La Regenta», para disfrutar de la joven pero veterana María Heres, dominadora de principio a fin con el aria «Re dell’abisso, affrettati!» (Un ballo in maschera) impactante vocal y escénicamente, ya en plenitud vocal a quien he visto crecer.

Y volvería la zarzuela con dos páginas muy distintas por desigual fama, aunque Clarín y «La Castalia» han recuperado: la poquísima escuchada Beltrán y la Pompadour (de José Casares en arreglo de Teo Montero del Rey) con el dúo Solar-Garitano «Hacéis bien; yo, la Marquesa», más esa joya que es El Juramento de Gaztambide con el dúo «Es el desdén acero de doble filo» interpretado por Ramírez y Simón. Bien ubicados y seleccionados ambos dúos y la combinación de voces distintas por color y tesitura, muy ensayadas y trabajadas con los finales conjuntados y el piano impecable de Juan Carlos Martín.

Y si las dos voces masculinas mostraron sus cualidades en sus anteriores dúos, en solitario nos dejarían dos arias que, como en las zarzuelas elegidas, también han gozado de distinta fama aunque Clarín las conocía en sus escapadas a la capital de España: Poliuto (Donizetti) con un entregado Ángel Simón «Decio, signor del mondo» más el «Spirto gentil» de La Favorita (Donizetti) donde Aitor Garitano cantó con gusto esta página referente de todo tenor que sólo el tiempo logra madurar hasta hacerla propia.

Los enlaces de las obras seleccionadas fueron haciéndose con unos diálogos muy estudiados e hilvanados para comprobar que la técnica vocal es igual de necesaria cuando se habla, así como lo que supone memorizar y hacer creíbles unos textos que además jugaban con los personajes de Clarín, incorporándose la actriz Laura Iglesias que curiosamente se la escuchó menos que a los cantantes.

Había que volver a Verdi para ir acabando el espectáculo pero no podía faltar Meyerbeer y algún fragmento de Los Hugonotes por ser la ópera que inauguraría en. 1892 el Teatro Campoamor, al que además sería el propio Clarín quien propondría el nombre, y para este espectáculo elegirían el dúo «O ciel, dove vai tu?… Lasciami partir» a cargo de Vilma Rodríguez y Aitor Garitano como al principio de la función en este segundo guiño a la ópera francesa cantada en italiano, pareja convincente en lo vocal y en la escena, bien elegidos para estos dúos.

El final verdiano estaba acorde con los gustos de Leopoldo Alas. Si Víctor  Quintanar recordaba a un tenor de Valladolid comparándolo con Gayarre, también cita el famoso cuarteto «Bella figlia dell’amore» de Rigoletto, donde comprobar la unión de colores y volúmenes de los cuatro elegidos: María Heres potente y musical como nadie, Noive Solar de agudos claros, Aitor Garitano más esforzado, y Ángel Simón cómodo por tesitura, con una dramaturgia que desembocaría en La Traviata como la referencia al «amor de padre», la orquesta plena al piano, y la conocidísima, además de actual en estos días, aria final «Prendi, quest’è l’immagine» a cargo de una convincente Vilma Ramírez con muerte en escena y fundido en negro.

Un aplauso para todo el enorme equipo que trajo a nuestro siglo La Castalia, la música que Clarín cita en «La Regenta» con más ópera que zarzuela (entonces «asociada al ridículo o la ruina moral»), pero recuperándola gracias a unos musicólogos formados en la excelencia que siguen sacando de los cajones tanta música olvidada, y el trabajo previo de todos ellos, sumando los diez días en conjunto para poner en pie este espectáculo donde el público disfrutó de la calidad con pocos medios pero muy bien utilizados (otro logro), y la entrega unida a la pasión por la lírica que tantos compartimos en la Vetusta de nuestros días.

#LaRegenta140

La Castalia de nuestro tiempo

24/07/2025

Pablo Siana Asturias, ópera, conferencias, lírica, música, piano, prensa, zarzuela , , , , , , , , , , , , , 1 comentario

Miércoles 23 de julio, 20:00 horas. Club La Nueva España: Conferencia-presentación «La Regenta y el Teatro Lírico». En torno al espectáculo «La Castalia en Vetusta».

Como aperitivo a la I Edición Ópera-Studio que se celebrará el próximo martes 29 de julio a las 20 horas en el Teatro Filarmónica, con entrada libre hasta completar aforo, esta tarde teníamos la presentación y posterior conferencia sobre el espectáculo que organiza la Asociación «La Castalia» heredera de la que se fundó en el siglo XIX, presidida por Begoña García-Tamargo, quien haría de presentadora, el director de escena Íñigo Santacana más la doctora Ana Cristina Tolívar, bisnieta de Clarín y toda una autoridad en Leopoldo Alas, que nos expondría la relación de su bisabuelo con la lírica en Oviedo reflejada en su obra maestra «La Regenta» que ahora cumple 140 años de su publicación.

La profesora y directora artística García-Tamargo comenzaría adelantándonos esta nueva apuesta de «La Castalia», por vez primera en el formato de «Ópera-Studio» centrada en la creación lírico literaria con fragmentos de las óperas y zarzuelas citadas por Clarín, con gran relevancia de ambos géneros en muchos capítulos. No faltaron los agradecimientos a todas las instituciones que colaboran, Ayuntamiento de Oviedo desde distintas concejalías, al diario La Nueva España, al Centro RETO por participar de manera altruista en toda la escenografía, a los artistas participantes (dejo al final copia con sus nombres), a Mª Luz González Peña, siempre colaborando con «La Castalia» desde el archivo de la SGAE por su ayuda con los materiales utilizados, y a los musicólogos de la Universidad de Oviedo los doctores Mª Encina Cortizo  y Ramón Sobrino, pareja de indispensables por el conocimiento en la materia y su inestimable apoyo a «La Castalia del siglo XXI».

A continuación realizaría la presentación de los dos conferenciantes y sus currículum, tanto el de la doctora Ana Cristina Tolívar Alas como del director de escena donostiarra Íñigo Santacana.

Sería Ana Cristina quien profundizaría en su conferencia sobre La Regenta y el teatro lírico. Comenzaría el 19 de abril de 1868 citando cómo Clarín escribe en el periódico sobre música tras escuchar una Norma en el ovetense Teatro de El Fontán (hoy Biblioteca de Asturias), su paso por Madrid y los sucesivos viajes entre Oviedo y la capital de España. Anécdotas como la carta que en 1868 escribe a Bretón y su proyecto de una ópera española que Don Leopoldo no veía claro, especialmente por la politización a la que podría verse abocada. No faltarán sus críticas varias de las representaciones a las que acudirá desde niño y su admiración por Wagner, pues la música siempre tiene protagonismo en su obra, con preferencias por los compositores germanos y un buen conocedor de Eduard Hanslick.

De su bisabuelo recordará la amistad con el músico Anselmo González del Valle, quien probablemente le iniciaría en la música, aunque sería Víctor Sáenz, fundador de «La Castalia» y una familia muy musical, sobre todo su aventajada alumna, y que sería mujer de Clarín, Onofre García-Argüelles, a quien el escritor solía rogarle con frecuencia que cantase una romanza que al mismo tiempo interpretaba al piano. Para los curiosos y estudiosos, la profesora Tolívar Alas tiene en el nº 23 de Los Cuadernos del Norte (1984) un excelente trabajo titulado «La música en «La Regenta»» así como el titulado «Clarín y el teatro lírico» que se puede consultar en la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes. Ya centrándose en las referencias musicales de «La Regenta» la filóloga nos hablaría de un Paseo por una sinfonía llamada Vetusta con citas varias a obras de otros compositores como Martínez Burgos, la ópera de Marisa Manchado y Amelia Valcárcel, o directamente las que cita el propio Clarín, caso del Stabat Mater de Rossini, que le sirve para criticar la teatralización de las obras religiosas y cuya música va a producir en Ana Ozores la decisión de desfilar como penitente el día de Viernes Santo (citando fragmentos de los capítulos XXV y XXVI).

De las obras citadas por Leopoldo Alas y su relación con la época parecen coincidir con representaciones donde La Castalia participaría activamente en el Oviedo que Clarín convertiría en Vetusta. Primero las dos óperas, Norma y La Favorita con sus famosas arias («Casta diva» y «Spirto gentil»), paralelismo de castidad y carnalidad con citas varias en «La Regenta» y sus personajes. De La favorita  cita al tenor ovetense Lorenzo Abruñedo con Víctor Sáenz al piano, pero también El barbero de Sevilla y el paralelismo entre Rosina y Ana Ozores que cita Fermín de Pas por despertarse con unos gritos, así como Víctor Quintanar y su obsesión por la ópera identificándose con Don Bártolo.

Interesante la citas clarinianas de La Favorita y La Sonámbula que “canta” Paco Vegallana, la ópera francesa con el Fausto de Gounod, y hasta La dama de las camelias en que se inspira Verdi para La Traviata con una gaita «tocando» el famoso brindis. De su amor por Donizetti tampoco falta el aria «Decio, signor del mondo» de Poliuto, y hasta Meyerbeer con Los Hugonotes (ópera que inaugurará el Teatro Campoamor al que Clarín propone el nombre). Víctor  Quintanar recuerda en la novela a un tenor de Valladolid comparándolo con Gayarre o la cita al famoso cuarteto de Rigoletto y «La donna è mobile» que aparece también. Hay una cita de 1883 a la compañía madrileña “Los bufos” que estuvieron en Oviedo y más citas de La Traviata como la referencia al «amor de padre». Los títulos y textos se cantan en italiano como era costumbre de la época de Clarín.

Y si la ópera aparece con frecuencia, también la zarzuela: Marina y El dominó azul (Arrieta), El relámpago (Barbieri) o Los magyares (Gaztambide), todas en el repertorio de aquella Castalia decimonónica «con sus esforzados cantantes», así como dos páginas que merecen destacarse por haber caído en el olvido: La isla de San Balandrán (Oudrid) y Beltrán y la Pompadour (José Casares). De todas formas en «La Regenta» aparece más ópera que zarzuela, entonces «asociada al ridículo o la ruina moral». Finalizaría la doctora Tolívar Alas dando las gracias a los musicólogos que colaboraron en la documentación aunque imposible escucharlas todas en el espectáculo pero siendo una selección ajustada.

Finalmente Íñigo Santacana nos hablaría de la sinopsis, la dramaturgia y la selección de los extractos más representativos de «La Regenta» donde la zarzuela también aparece con muchos títulos no representados, y contar con la experta Ana Cristina Tolívar resultó fundamental en el montaje. El espectáculo está ubicado en 1890 ensayando en La Castalia los temas de «La Regenta» con una actriz que es la propia Ana Ozores (sin citarla), con el el conflicto al aparecer en medio e intentar integrarla en el montaje. Lo meta-teatral logra dar dos planos: los personajes reales de la primitiva Sociedad La Castalia (Clementina Bertrand, Lola García, Luisa Bontel, Álvaro Olay, Víctor Sáenz) ensayando las obras, más el ficticio de Ana Ozores en un juego de los personajes de la novela universal de Clarín y los reales. Hay otro nivel con el  dúo de Fausto (Gounod) y Margarita ligados a la novela y sus propios personajes. El trabajo ha supuesto todo un reto vocal e interpretativo pues no salen nunca de escena y deben saber cuándo pasar de un plano a otro. Al final en el coloquio le preguntarían por las luces, que estarán a cargo de Eduardo Espina (del Centro Niemeyer de Avilés), tan importantes en toda producción y en este caso «muy poéticas».

Begoña García-Tamargo remarcaría que esta producción es especial entre otras cosas por darse y vivirse en Oviedo, convencida que pasará a la historia, con un duro trabajo de ocho horas diarias y todas las dificultades técnicas, destacando el enorme esfuerzo del pianista Juan Carlos Martín con todas las voces, muchas ya conocidas de anteriores cursos y algunas haciendo ya carrera profesional, a saber: Vilma Ramírez (soprano), Noive Solar (soprano), María Heres (mezzo), Aitor Garitano (tenor), Ángel Simón (barítono) y Laura Iglesias (actriz).

Las puertas del Teatro Filarmónica se abrirán el próximo martes 29 de julio a las 19;30 horas y pide no asustarse por la larga cola habitual, pues el aforo de 700 butacas es suficiente para poder disfrutarlo todos quienes acudan al mismo.

Finalmente remarcará que el vestuario y los muebles de la época darán mayor credibilidad a un espectáculo que mantiene el mismo espíritu de La Castalia del XIX en el XXI. Avanza igualmente que el 25 de octubre habrá otro espectáculo (ópera de cámara con ballet, coro, cuarteto de cuerda…) que se presentará en su momento, y a propósito del citado Stabat Mater de Rossini recuerda que será la inauguración de la próxima temporada de los Conciertos del Auditorio que recomienda a todo el público que llenó el Club LNE.

#LaRegenta140

Balance de mi Festival de Granada

23/07/2025

Pablo Siana ópera, órgano, cine, clásica, conciertos, conferencias, coros, danza, guitarra, lírica, música, música antigua, Música contemporánea, piano, prensa, recital, sinfónica, viajes , , , , , , , , , , , Deja un comentario

Tras un intenso mes en el 74º Festival de Granada, desde este blog he ido subiendo mis críticas y reseñas, con fotos propias pero sobre todo las de mi admirado ©Ferminius. A nivel organizativo los números de este 2025 han sido los siguientes: 53.413 espectadores, 93,20% de ocupación, 136 espectáculos y actividades programadas, 21.391 asistentes a conciertos gratuitos y del FEX, y 124 alumnos en los Cursos Manuel de Falla.

En cuanto a mi presencia del 19 de JUN al 13 de JUL fueron 33 Conciertos en 25 días y 8 espacios aunque tuve la ocasión de presenciar parte del FEX:

Martes 17 de junio, 74 Festival Internacional de Música y Danza de Granada: paseo vespertino, a las 20:00 horas en Puerta Real, y una hora más tarde en Bib-Rambla escucharía a FEGRABAND, una fanfarria de la Federación Granadina de Bandas de Música, formación dirigida por Fernando Gómez Morgollón, auténtica cantera de talento para a las 21:30 horas en a la Plaza de las Pasiegas concierto de la Banda Municipal de Musica de Granada bajo la dirección del maestro  y compositor de Santa Fé Ángel López Carreño y un programa exigente con obras de Shostakovich, Copland y Reed.

Sin estar dentro de la programación, el jueves 26 de junio tuvo lugar en Granada “Cohen & Lorca. Ecos de la amistad cultural entre España y Canadá”, un encuentro homenaje a las figuras de Federico García Lorca y Leonard Cohen, uniendo los nombres del poeta granadino y el cantautor canadiense y su obra gracias a una iniciativa de la Embajada de Canadá en España, a la que se han unido el Centro Federico García Lorca y la Cátedra Leonard Cohen de la Universidad de Oviedo, que conviene recordar se creó tras el Premio de la Fundación P. de Asturias (FPA) de poesía en 2011 al canadiense, donando el premio en metálico con el que mi universidad  crearía una cátedra única, pudiendo saludar a mi querida Miriam Perandones, musicóloga y que también fue directora de esta cátedra desde 2016 hasta febrero de 2022.

También he dejado reflejada la asistencia a la Exposición de Juan-Alfonso García en el décimo aniversario de su fallecimiento y que ha tenido su merecido homenaje a lo largo del Festival.

Y ya dentro del propio festival paso a detallar y enlazar en los que estuve, con algún comentario extra a modo de balance personal, comenzando por el desglose de espacios que también hacen especial este longevo festival de Granada:

8 espacios, 33 conciertos (16+17) en 25 días:

Palacio de Carlos V (12): JUN 6 / JUL 6.

Teatro del Generalife (6): JUN 3 / JUL 3.

Hospital Real (5):

Crucero del Hospital Real (4): JUN 2 / JUL 2.

Patio de los Mármoles (1): JUN 1.

Monasterio de San Jerónimo (2): JUN 1 / JUL 1.

Iglesia del Monasterio de la Cartuja (2): JUL 2.

Patio de los Arrayanes (4): JUN 2 / JUL 2

Santuario del Perpetuo Socorro (1): JUN 1.

Parroquia de Nuestro Salvador (1): JUL 1.

Paso a continuación a desglosar los espectáculos por mi vividos dentro del propio festival con los enlaces a cada uno de ellos escritos desde mi segunda casa en el Realejo:

JUNIO

DÍA 1

Jueves, 19/06/2025 22:00, Palacio de Carlos V: La Cetra (Barockorchester & Vokalensemble Basel) – Jone Martínez, soprano – Lea Elisabeth Müller, mezzosoprano – Carlos Mena, contratenor – Jakob Pilgram, tenor – Tobias Berndt, barítono – 
Andrea Marcon, director.

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Misa en si menor, BWV 232 (1733-49)

In memoriam Miguel Ángel Gómez-Martínez

Excelente inicio de Festival y primer concierto con la presencia de un Carlos Mena descomunal que haría triplete en esta edición.

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DÍA 2

Viernes, 20/06/2025 22:00, Palacio de Carlos V: Orquesta Ciudad de Granada (II), Jean-Efflam Bavouzet, piano – Cristina Faus, mezzosoprano –  Juanjo Mena, director.

Manuel de Falla (1876-1946): El amor brujo (versión de 1925) – Concierto para piano en sol mayor (1928-31)

Juan-Alfonso García (1935-2015): Epiclesis II (orquestación del propio autor sobre original para órgano. 2009)
Manuel de Falla: Noches en los jardines de España (para piano y orquesta. 1909-16)
Maurice Ravel: La Valse (1919-20)

En el 150 aniversario del nacimiento de Maurice Ravel y Ricardo Viñes, y el centenario del estreno en París de «El amor brujo» de Manuel de Falla.

Además de la alegría de ver a Juanjo Mena dirigiendo a la OCG, un lujo escuchar a Bavouzet con las Noches y el concierto de Ravel, más el primer «encuentro» con Juan-Alfonso García a quien se le recordó en el décimo aniversario de su muerte.

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DÍA 3

Sábado, 21/06/2025 12:00, Santuario del Perpetuo Socorro: Michel y Yasuko Bouvard, órgano.

Marc-Antoine Charpentier (1643-1704): Preludio, de Te Deum H. 146 (a tres manos. 1688-98); Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791): Divertimento en si bemol mayor, K 240 (1776. Transcripción para órgano a cuatro manos); Robert Schumann (1810-1856): Estudio en forma de canon para piano-pédelier, op. 56, nº 4 (1845); César Franck (1822-1890): Coral nº 3 en la menor (1890); Jean Bouvard (1905-1996): Variaciones sobre un villancico de La Bresse (1969); Juan-Alfonso García (1935-2015): Veritas de terra orta est (de Cuatro piezas para órgano. 1959); Maurice Duruflé (1902-1986): Preludio sobre el Introito de la Epifanía, op. 13 (1960); Coral variado sobre «Veni Creator», op. 4 (1931).

Sesión matinal, habituales los fines de semana, y disfrutando de otro de los órganos que Granada atesora, una pareja unida a otra (Melcova y Pedrero) que lleva años trabajando con ellos, y por ellos. Segundo «encuentro» con Juan-Alfonso García de quien se escuchó una de las obras donde conjugar su labor de compositor y organista.

Sábado, 21/06/2025 22:30, Teatro del Generalife: Les Ballets de Monte-Carlo, Jean-Christophe Maillot.

Serguéi Prokófiev: Romeo y Julieta. Ballet en tres actos basado en la obra de William Shakespeare.

Tras otros años donde coincidían varios eventos, en este pude disfrutar de la danza, siendo además la noche del ascenso a Primera del Real Oviedo, donde estuve hasta el final del partido pendiente del teléfono y perdiéndome parte del espectáculo por tener la cabeza y oído en el Carlos Tartiere.

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DÍA 4

Domingo, 22/06/2025 12:30, Crucero del Hospital Real: Numen Ensemble – Héctor Eliel Márquez, director.

Manuel de Falla (1876-1946): Invocatio ad individuam trinitatem (1935). Jacobus Gallus / Valentinus Judex (atrib. T. L. de Victoria): Ave Maria. Serguéi Rajmáninov (1873-1943): Bogoroditse Devo (de Vsenoshchnoe bdenie, op. 37. 1915). Juan-Alfonso García (1935-2015):  Ave Maria (1975) Maurice Duruflé (1902-1986): Notre Père, op. 14 (1977). Igor Stravinsky (1882-1971): Pater Noster (1926); Ave Maria (1934). Juan-Alfonso García: Letrilla al Niño Jesús (1979); El corazón de la materia (2002) *; Serena de Amarillos (1978); Seis caprichos (1986); Cada vez que una mano se me ofrece (1979).

* Estreno absoluto

Tercer encuentro con la música de Juan-Alfonso García de quien se escucharon obras corales, la faceta que ya conocía aunque no en profundidad, y disfrutando de ese estreno con un coro joven que «repasó» un repertorio donde los actuales jóvenes encuentran la mejor forma de trabajar distintos estilos y épocas.

Domingo, 22/06/2025 22:00, Palacio de Carlos V: Orquesta Nacional de España (ONE) – María Dueñas, violín –Andrés Orozco-Estrada, director.

I parte: Édouard Lalo (1823-1892): Symphonie espagnole, en re menor, op. 21 (para violín y orquesta. 1874)

II parte: Hector Berlioz (1803-1869): Symphonie fantastique, op. 14 (1830)

Volver a escuchar a la violinista granadina y en su casa es otra de las buenas sensaciones de este 2025 aunque esperaba más de la ONE y del director colombiano que acabaría cancelando (por enfermedad) los dos últimos conciertos.

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DÍA 5

Lunes, 23/06/2025 22:00, Patio de los Arrayanes: Alexandre Tharaud, piano

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Chorus, de Pasión según San Mateo, BWV 244 (1727) *; Sicilienne, de la Sonata en mi bemol mayor para flauta, BWV 1031 (1730-34) *; Suite en la menor, BWV 818a (1722); Aria «Aus Liebe will mein Heiland sterben», de Pasión según San Mateo BWV 244 *; Suite en mi menor para laúd, BWV 996 (1708-17) *.

Maurice Ravel (1875-1937): Miroirs (1904-05) **. Paul Dukas (1865-1935): L’apprenti sorcier (1897) *

* Transcripciones de Alexandre Tharaud
** En el 150 aniversario del nacimiento de Maurice Ravel y Ricardo Viñes

Si Bach sigue siendo «el padre de todas las músicas», el pianista francés nos lo preparó desde un instrumento poderoso que brillaría sobre todo con sus compatriotas más allá de virtuosismos en ese marco único y mágico del patio del Palacio de Comares.

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DÍA 6

Martes, 24/06/2025 22:30, Teatro del Generalife: Manuel Liñán & Compañía.

Muerta de amor. Dirección y coreografía: Manuel Liñán – Artista Invitada: Mara Rey.

Segunda noche de baile en el Generalife con el granadino dejándonos un excelente espectáculo más allá del flamenco y con el baile verdadero lenguaje sin palabras.

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DÍA 7

Miércoles, 25/06/2025 22:00, Palacio de Carlos V: Ballet Flamenco de Andalucía / Accademia Piacere. Patricia Guerrero, dirección artística y coreográfica BFA –Fahmi Alqhai, dirección musical, composiciones y arreglos. Origen – La Semilla de los Tiempos. Quiteria Muñoz, soprano – Amparo Lagares Díaz, cantaora – Dani de Morón, guitarra flamenca.

Desde que conozco a la Accademia Piacere y Fahmi Alqhai sus propuestas siguen siendo originales y de plena actualidad. Si sumamos el excelente Ballet Flamenco de Andalucía este nuevo espectáculo sería una de las apuestas más interesantes y exportables para nuestros artistas andaluces.

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DÍA 8

Jueves, 26/06/2025 22:00, Patio de los Mármoles (Hospital Real): De al-Ándalus a Isfahán. Accademia del Piacere
(Fahmi Alqhai, Rami Alqhai y Johanna Rose, violas da gamba) – Constantinople (Kiya Tabassian, setar y voz – Didem Basar, kanun
Patrick Graham y Hamin Honari, percusión). Músicas del Renacimiento español y de los imperios persa y otomano de los siglos XV y XVI.

En veinticuatro horas Accademia Piacere y los hermanos Alqhai trajeron otra propuesta de mestizaje aunque sean músicas atemporales que sentimos cercanas con la base de la improvisación tan arraigada en todas las culturas.

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DÍA 9

Viernes, 27/06/2025 22:00, Palacio de Carlos V: Budapest Festival Orchestra –Gerhild Romberger, mezzosoprano – Iván Fischer, director. Gustav Mahler (1860-1911): Kindertotenlieder (Canciones sobre la muerte de los niños, para mezzo y orquesta. 1901-04); Sinfonía nº 5 en do sostenido menor (1901-02, rev. 1904-11).

Quienes me conocen saben que soy un mahleriano convencido y este concierto ha sido el mejor de todo el festival, no ya por las obras elegidas sino por «la orquesta de Iván Fischer» que nunca defraudan porque cada interpretación la sienten y viven como creo ninguna otra en la actualidad. Escuchar al maestro la entrevista que concedió dentro de los «Encuentros» a mi compañera de fatigas (#AsturianosEnGranada) explica a la perfección la diferencia entre esta Orquesta del Festival de Budapest (que volveré a disfrutar en Oviedo) y las demás.

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DÍA 10

Sábado, 28/06/2025 12:30, Crucero del Hospital Real: Pilar Alva-Martín, soprano – Stefano Arena, piano.

Juan-Alfonso García (1935-2015): Ocho “lieder” para canto y piano (1966-77); Segundo movimiento de Tres movimientos de danza (piano solo, 1962); Gritando su dolor (1977)*. Manuel de Falla (1876-1946): Tus ojillos negros, canción andaluza (1902-03); Andaluza, de Cuatro piezas españolas (piano solo, 1906-09); Oración de las madres que tienen a sus hijos en brazos (1914);El pan de Ronda que sabe a verdad (1915);  Trois mélodies (1909-10). Joaquín Turina (1882-1949): Poema en forma de canciones (1923).

* Estreno absoluto

Cuarto encuentro con la música de Juan-Alfonso García y sus canciones interpretadas nada menos que por vía directa gracias a su sobrina-nieta que está llevando el legado del Maestro, uniéndole con Falla y Turina además de contar con un excelente pianista, llenando de emoción esta sesión matinal.

Sábado, 28/06/2025 22:30, Teatro del Generalife: Centro Coreografico Nazionale / Aterballetto. Don Juan. Coreografía: Johan Inger / Composición musical original: Marc Álvarez (orquestación y grabación de Manuel Busto y la Orquesta de Extremadura).

La lesión del primer bailarín condicionó un programa que se hubo de cambiar, resultando casi un catálogo o muestrario de estos artistas italianos a los que agradecer el esfuerzo por mantener otra noche de ballet en el Generalife.

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DÍA 11

Domingo, 29/06/2025 12:30, Monasterio de San Jerónimo: Academia Barroca del Festival de Granada, Carlos Mena (dirección musical).

Alessandro Scarlatti (1660-1725): Motetes y salmos para varias voces y continuo; José García Román (1945): Obras religiosas a 4 voces.

Segundo espectáculo con Carlos Mena cantando y dirigiendo uno de los proyectos que cada año apuestan por formar nuevas voces jóvenes, caso de la Academia Barroca del Festival de Granada que también ha dirigido el asturiano Aarón Zapico (esta vez presente su hermano Daniel en el orgánico), y más allá del repertorio barroco con el homenaje a Scarlatti padre, nos trajeron al granadino José García Román dentro del homenaje al maestro Juan-Alfonso con uno de sus discípulos.

Domingo, 29/06/2025 22:00, Palacio de Carlos V: Israel Fernández, cantaor y piano – Diego del Morao, guitarra – Ané Carrasco, percusión – El Jali y Galery, palmas. Mi cante a piano.

Una decepción el autoproclamado «pianista» de este gran cantaor toledano que además venía con el excelente guitarrista jerezano, entendiendo que el flamenco está en los orígenes de este festival en 1922, pero que el palacio imperial le quedó demasiado grande a un espectáculo engañoso en el título, teniendo otros entornos más apropiados y cercanos donde los «jaleos» de sus fieles hubiesen sido más apropiados.

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DÍA 12

Lunes, 30/06/2025 22:00, Patio de los Arrayanes: Sondra Radvanovsky, soprano – Anthony Manoli, piano. From Loss to Love

Henry Purcell (1659-1695):  When I am laid in earth (de Dido and Aeneas. 1677-89); George Frideric Handel (1685-1759):
Piangerè la sorte mia (de Giulio Cesare in Egitto, HWV 17. 1724); Serguéi Rajmáninov (1873-1943): Ne poi, krasavitsa, op. 4 nº 4 (1890-93); Zdes’khorosho, op. 21 nº 7 (1900-02); Ya Zhdu Tebya, op. 14 nº 1 (1894-96); Richard Strauss (1864-1949): Allerseelen, op. 10 nº 8 (1885); Befreit, op. 39 nº 4 (1897-98); Morgen!, op. 27 nº 4 (1894); Heimliche Aufforderung, op. 27 nº 3 (1894).

Franz Liszt (1811-1886):  Tre sonetti di Petrarca, S. 270a (1842-46); Antonin Dvořák (1841- 1904):  «Canción de la luna» de Rusalka; Jake Heggie (1961): If I had known (2022); Umberto Giordano (1867-1948): La mamma morta (de Andrea Chénier. 1896).

Sensaciones agridulces con la supresión del previsto Liszt sustituido por la delicada «Io son’ l’umile ancella» de Adriana Lecouvrer (Cilea) y Verdi con la intensa aria «Pace, pace, mio Dio!» de La forza del destino (que debutará pronto en Londres). Con todo, siempre es un placer escuchar a la soprano norteamericana en las «distancias cortas» y donde sus emociones personales llegaron a un público entregado en una noche con la temperatura ideal en todos los sentidos.

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JULIO

DÍA 13

Martes, 01/07/2025 22:30, Teatro del Generalife: Ópera & Cine I: Georges Bizet. Orquesta Ciudad de Granada – Timothy Brock, director: Carmen (1915), película de Cecil B. DeMille, música original de Hugo Riesenfeld y Samuel L. Rothafel (a partir de Carmen de G. Bizet). A burlesque on Carmen (1916), película de Charles Chaplin con música de Timothy Brock.

Una de las firmes apuestas de esta edición donde disfrutar de un cine de verano, tras el Chaplin-Keaton y el Nosferatu de la edición anterior, con un excelente Timothy Brock dirigiendo su música y comprobando que el llamado «Séptimo Arte» es mayor cuando suena la música en vivo, acompañando unas copias restauradas de gran calidad.

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DÍA 14

Miércoles, 02/07/2025 22:00, Patio de los Arrayanes: Ian Bostridge, tenor – Julius Drake, piano – Timothy Morgan, contratenor – Mauro Borgioni, barítono – Ketevan Kemoklidze, mezzosoprano – Solistas de la Orquesta Ciudad de Granada (Juan Carlos Chornet, flauta; Miguel Ángel Sánchez Miranda, arpa: Birgit Kolar, violín; Hanna Nisonen, viola;  Arnaud Dupont, violonchelo; Óscar Sala, trompa).

Manuel de Falla (1876-1946):  Psyché (para voz y ensemble, poema de G. Jean-Aubry.1924) *. Benjamin Britten (1913-1976): Arreglos de cinco canciones espirituales originales de Johann Sebastian Bach; Arreglos de cuatro canciones originales de Henry Purcell. Canticles (Cánticos).

* En el centenario del estreno de «Psyché».

Dentro de los aniversarios que se conmemoran, me supo a poco escuchar a la excelente mezzo Ketevan Kemoklidze en una Psyché  muy sentida en su interpretación, con un ensamble para la ocasión, aunque el verdadero protagonista sería el Britten de Ian Bostridge, probablemente la mejor elección para este ciclo tan poco habitual en los programas, y que sigue siendo una «delicatessen» para un público que sigue poniendo reparos a la música de nuestra generación.

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DÍA 15

Jueves, 03/07/2025 21:00, Iglesia del Monasterio de la Cartuja: Capilla Santa María – Ana Vieira Leite, soprano – Carlos Mena, contratenor y director. «Escoxidas».

Alessandro Scarlatti (1660-1725): Cantata «Del Tirreno a le sponde»; Cantata «E penar degg’io ancora»; Alessandro Scarlatti / Francesco Durante (1684-1755): Cantata «Dormono l’aure estive»; Cantata «Al fin m’ucciderete»; Alessandro Scarlatti: Stabat Mater.

En el 300 aniversario de la muerte de Alessandro Scarlatti.

Tercer espectáculo con Carlos Mena cantando y dirigiendo un homenaje de cantatas «Escogidas» para el #300AlessandroScarlatti con una soprano que domina este repertorio más un ensamble ideal en este aniversario que el festival granadino ha tenido en cuenta, recuperando La Cartuja a los marcos históricos que hacen distinta esta cita estival.

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DÍA 16

Viernes, 04/07/2025 22:30, Teatro del Generalife: Ballet Preljocaj – Angelin Preljocaj. El lago de los cisnes.

Mis noches de danza han sido otra de las alegrías en esta edición que en años anteriores me coincidían con otros géneros o estilo. Resultó como una vuelta a mis años universitarios para poder comprobar que el estado de salud del ballet es bueno y aún caben coreografías distintas aunque la música esté grabada. Si en la entrada no disponía de las fotos de Fermín Rodríguez, aquí dejo una de las más bellas recuperada de su archivo.

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DÍA 17

Sábado, 05/07/2025 12:30, Monasterio de San Jerónimo: Joven Coro de Andalucía, Marco Antonio G. de Paz (director). Paraíso abierto para muchos.

Manuel de Falla (1876-1946): Versiones expresivas de obras de Tomás Luis de Victoria: Ave Maria (1932); O magnum mysterium (1940-42); Tenebrae factae sunt (1940-42). Francis Poulenc (1899-1963): Quatre motets pour un temps de pénitence (1938-39). Olivier Messiaen (1908-1992): O sacrum convivium (1937). Ildebrando Pizzetti (1880-1968): Messa di Requiem (1922-23).

No es chauvinismo o como decimos en Asturias «grandonismo» pero me siento orgulloso de seguir y presumir del talento musical que mi tierra exporta, siendo uno de ellos el director Marco Antonio García de Paz que con muchos años de experiencia sabe transmitirla allá donde va, y el Joven Coro de Andalucía mostró y demostró que el buen trabajo siempre tiene premio. Un programa variado donde el Requiem de Pizzetti sería uno de los platos fuertes de un aprendizaje finalizado con las más altas calificaciones en un intenso «Camino al paraíso».

Sábado, 05/07/2025 22:00, Palacio de Carlos V: Orchestra e Coro dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia (I), Daniel Harding (director), Andrea Secchi (director del coro).

Claude Debussy (1862-1918):  La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre (1903-05).

Maurice Ravel (1875-1937): Daphnis et Chloé (sinfonía coreográfica para orquesta y coro. 1909-12).

En el 150 aniversario del nacimiento de Maurice Ravel

Uno de los conciertos de los que más me costó escribir porque tanto la orquesta y coro romanos, como su titular, parecían iban a marcar otro hito de esta edición y no fue así, por lo que esperé la mañana siguiente para escribir la reseña (podría haber reunido dos en una que terminarían por corroborar la primera impresión) de la noche sabatina donde «el comandante Harding» no encontró ni el charme francés ni la vertiente «no operística» verdiana.

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DÍA 18

Domingo, 06/07/2025 12:30, Crucero del Hospital Real: Trío Arbós (Ferdinando Trematore, violín – José Miguel Gómez, violonchelo – Juan Carlos Garvayo, piano).

Johann Sebastian Bach (1685-1750) / Ferruccio Busoni (1866-1924):  Komm, Gott Schöpfer!, BWV 667 (1747-49) *. José María Sánchez-Verdú (1968): Trío III «Wie ein Hauch aus Licht und Schatten (2000). Bach / Busoni: Wachet auf, ruft uns die Stimme, BWV 645 (c. 1746) *. Manuel Hidalgo (1956): Trío esperando (1995). Bach / Busoni: In dir ist die Freude, BWV 615 (c. 1713-17) *. José García Román (1945): De civitate cordis (2004). Bach / Busoni: Nun freut euch, lieben Christen, BWV 734 (1708-17) *. Francisco Guerrero (1951-1997): Op. 1 Manual (1974, rev. 1981). Bach / Busoni: Ich ruf´ zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639 (c. 1713-17) *

* Transcripciones para trío de Juan Carlos Garvayo

Un programa interesante con el trío del motrileño Garvayo alternando «mein Gott» desde la óptica de Busoni reencarnada en trío, con cuatro exponentes de la llamada «Nueva Música en Granada» en otro tributo al maestro de Juan-Alfonso García conjugando inquietud y sosiego.

Domingo, 06/07/2025 22:00, Palacio de Carlos V: Orchestra e Coro dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia (II), Daniel Harding (director), Andrea Secchi (director del coro), Federica Lombardi (soprano), Teresa Romano (mezzo), Francesco Demuro (tenor), Giorgi Manoshvili (bajo). Giuseppe Verdi (1813-1901): Messa da Requiem (1874, rev. 1875).

Como el anterior de los romanos y el piloto comercial, otro concierto que me quitaría el poco sueño tras su escucha y posterior reseña donde lo mejor resultó el coro que dirige Andrea Secchi y un irregular cuarteto solista que al menos tuvo un bajo de verdad, junto a una soprano joven que el tiempo nos dirá hasta dónde llegará.

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DÍA 19

Lunes, 07/07/2025 22:00, Patio de los Arrayanes: Pierre-Laurent Aimard, piano (4). Olivier Messiaen (1908-1992):
Catalogue d’Oiseaux (Catálogo de aves. 1956-1958): V. La Chouette Hulotte; VI. L’Alouette Lulu; VII. La Rousserolle Effarvate.

Excelente idea la de poder escuchar el «Catálogo de aves» de Messiaen a lo largo de cuatro sesiones y distintos escenarios (y pianos) a cargo del alumno y verdadero especialista como el francés Pierre-Laurent Aimard, que mi admirado Pablo L. Rodríguez siguió todo el día. Personalmente y con el cansancio acumulado, así como unos aforos limitados, solo reseñé los «Pájaros nocturnos» nuevamente en el mágico Patio de los Arrayanes y disfrutando de esta apuesta de Paolo Pinamonti para esta su primera edición como director del Festival.

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DÍA 20

Martes, 08/07/2025 22:30, Palacio de Carlos V: Ópera & Cine II:

Pagliacci (1892), drama en un prólogo y dos actos (en versión concierto) con música y libreto de Ruggiero Leoncavallo (1857-1919). Orquesta Joven de Andalucía (OJA) – Joven Coro de Andalucía – Marco Antonio García de Paz (director del coro) – Coro de la Orquesta Ciudad de Granada – Héctor Eliel Márquez (director del coro) – Guillermo García Calvo (director). Reparto: Carolina López Moreno, soprano (Nedda) / Alejandro Roy, tenor (Canio) / Claudio Sgura, barítono (Tonio) / Moisés Marín, tenor (Beppe) / Pablo Gálvez, barítono (Silvio).

The Circus (1928), película de Charles Chaplin (1889-1977), música de Arthur Kay (1882-1969), estreno en España de la banda sonora original de Arthur Kay de 1928, recuperada por Timothy Brock en 2022.  Orquesta Joven de Andalucía – Timothy Brock (director).

La apuesta por la ópera en esta edición volvía a unirla con el cine, contando con una excelente OJA con Timothy Brock dirigiendo su música, tras unos «Payasos de cine» en versión concierto, comprobando no ya el talento joven «de casa» sino el nuevo triunfo de mi «alumno» Alejandro Roy que sigue con una carrera internacional donde Granada ha sido una parada muy esperada donde acudieron aficionados de todas partes (ovetenses también) compartiendo un reparto plenamente creíble, bajo la magistral dirección del maestro García Calvo que supo mimar las voces y sacar de la orquesta y coros todo el dramatismo de Leoncavallo antes de que el humor de Chaplin nos dejara marchar a dormir con una sonrisa.

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DÍA 21

Miércoles, 09/07/2025 21:00, Iglesia del Monasterio de la Cartuja: Orquesta Barroca de Sevilla (OBS) – Aurora Peña (soprano) – Ignacio Ramal (violín y dirección).

George Frideric Handel (1685-1753): Concerto grosso, en si bemol mayor, op. 6 nº 7, HWV 325. Giovanni Battista Ferrandini (c. 1710-1791): Il pianto di Maria (Cantata sacra da cantarsi dinanzi al Sancto Sepolcro). Juan-Alfonso García (1935-2015): Tríptico (para orquesta de cuerdas. 1990). Antonio Vivaldi (1678-1741): Sinfonia al Santo Sepulcro en si menor, RV 169; Motete para soprano «In furore iustissimae irae», RV 626.

Volvía al Monasterio de la Cartuja para un programa barroco a cargo de la OBS pero donde estuvo presente un nuevo tributo al maestro Juan-Alfonso García y su «Tríptico» de 1990 interpretado con enjundia (entendida en su acepción de «fuerza, vigor, arrestos») con la misma calidad que los grandes del siglo XVIII para volver a escuchar a una Aurora Peña madura bien arropada y concertada por Ignacio Ramal.

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DÍA 22

Jueves, 10/07/2025 22:30, Teatro del Generalife: Eva Yerbabuena, baile – Miguel Ortega, Segundo Falcón, Antonio El Turry, Ezequiel Montoya, cante – Daniel Suárez, percusión y electrónica – José Manuel Ramos, El Oruco, percusión y baile. Artistas invitados: Marina Heredia, Manuel Liñán y Esperanza Garrido. A Granada. Idea original, dirección artística y coreografía: Eva Yerbabuena. Composición, dirección musical y guitarra: Paco Jarana.

Última noche en el Generalife con el espectáculo de la granadina Eva Yerbabuena dedicado a su ciudad y su público entregado, junto a un excelente cuadro flamenco donde no faltaría el nuevo rumbo de la llamada fusión, volviendo a disfrutar del «pellizo» de otros granadinos: el cante completo y poderoso de Marina Heredia, el arte al baile siempre «rompedor» de Manuel Liñán y una joven promesa como Esperanza Garrido que sin ser un especialista le auguro un futuro más que prometedor, con un fin de fiesta que levantó a un respetable de todas las nacionalidades.

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DÍA 23

Viernes, 11/07/2025 22:00, Palacio de Carlos V: La traviata, música de Giuseppe Verdi (1813-1883) y ibreto de Francesco Maria Piave, basado en La dama de las camelias de Alexandre Dumas hijo. Ópera en tres actos (1853). Versión concierto: Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real – Henrik Nánási (director musical) – José Luis Basso (director del coro). Reparto: Nadine Sierra, soprano (Violetta Valéry) – Karina Demurova, mezzosoprano (Flora Bervoix) – Gemma Coma-Alabert, mezzosoprano (Annina) – Xabier Anduaga, tenor (Alfredo Germont) – Artur Rucinski, barítono (Giorgio Germont) – Albert Casals, tenor (Gastone, vizconde de Létonières) – Tomeu Bibiloni, barítono (El barón Douphol) – David Lagares, bajo (El marqués de Obigny) – Giacomo Prestia, bajo (Doctor Grenvil) – Joan Laínez, tenor (Giuseppe).

Como ya sucediese en julio de 2003, el Teatro Real de Madrid desplazaría hasta el Palacio de Carlos V a todo el elenco de una aclamada Traviata madrileña (incluso con otra función retransmitida por distintos medios) donde la figura sería la soprano Nadine Sierra, que cancelaría este domingo 20 siendo sustituida por la «Embajadora de la Mierensía» Sabina Puértolas -que sin ensayos previos resultó la gran triunfadora de este título de referencia- dejando sorprendidos a quienes esperaban en el coliseo de la Plaza de Oriente por la estadounidense pero se encontraron con la aragonesa de sangre navarra y medio asturiana por matrimonio.

En Granada, y con todo vendido desde tiempo atrás, el trío protagonista lució y salvo el comentado inconveniente de la banda fuera de escena por la acústica, Sierra, Anduaga y Rucinski se entregaron en ese orden, dejándonos imaginar la escena que más nos gustase de nuestra memoria operística (que aseguro es grande).

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DÍA 24

Sábado, 12/07/2025 12:30, Parroquia de Nuestro Salvador: Juan María Pedrero, órgano. Johann Sebastian Bach (1685-1750): Fantasía en sol mayor «Pièce d’Orgue», BWV 572;  Partite diverse sopra il Corale «Ach, was soll ich Sünder machen», BWV 770; Toccata, Adagio y Fuga en do mayor, BWV 564; An Wasserflüssen Babylon à 2 Clav. et Pedal, BWV 653; Preludio y Fuga en mi menor, BWV 548.

Último fin de semana con sesión doble para una mañana bachiana a cargo del organista zamorano afincado en Granada en uno de los instrumentos que conforman el patrimonio andaluz que tanto debe a Paco Alonso. El magisterio y conocimiento de Juanma Pedrero nos dejó una meditación y pausa antes del «tour de force» que aún me quedaba por delante.

Sábado, 12/07/2025  22:00: Palacio de Carlos V: Orquesta Sinfónica SWR Stuttgart (I) – Alexandre Kantorow, piano –
Pablo Heras-Casado, director. Johannes Brahms (1833-1897): Concierto para piano y orquesta nº 1 en re menor, op. 15 (1854-59);  Sinfonía nº 1 en do menor, op. 68 (1862-76).

Si en los dos conciertos de la Accademia y «el comandante» estuve tentado a realizar una sola reseña para ambos, esta penúltima noche no lo dudé y esperé a que mis sensaciones posasen y reposasen, escribiéndola ya finalizado el festival mientras esperaba mi vuelo a casa en el mismo aeropuerto granadino (¡y jienense!). El cambio de director con el granadino por el colombiano ya me pareció una de las razones para la primera decepción, así como una orquesta alemana que me sonó sin sustancia y demasiado pegada al papel, más tras el excelente sabor de boca que me dejasen los húngaros con Iván Fischer. Al menos se salvaría el excelente pianista francés pese a lidiar con un instrumento desafinado que no se puede perdonar en este festival, aunque pueda entender los cambios de temperatura que tanto afectan incluso a los asistentes.

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DÍA 25

Domingo, 13/07/2025 12:30, Crucero del Hospital Real: Nacho de Paz, director – Solistas de la Orquesta Ciudad de Granada – Lluïsa Espigolé, piano – Annette Schönmüller, mezzosoprano.

Igor Stravinsky (1882-1971): Three songs of William Shakespeare (1953). Francisco Guerrero (1951-1997): Concierto de cámara (1978). Pierre Boulez (1925-2016): Douze notations (para piano solo. 1945). Maurice Ravel (1875-1937): Introduction et allegro (para ensemble. 1905). José García Román (1945): Camino blanco y sin término (2025) *. Luciano Berio (1925-2003): Folk Songs (para voz y ensemble. 1964).

* Estreno absoluto

En el 150 aniversario del nacimiento de Maurice Ravel y el centenario del nacimiento de Pierre Boulez y Luciano Berio

El último día de festival de nuevo contaba con sesión doble donde volvería a reecontrarme con mi paisano Nacho de Paz que había organizado un programa «ex profeso» muy trabajado por su organización y orgánico elegido donde la alergia al polen granadino tanto del propio director como de la mezzo Annette Schönmüller truncó el esperado homenaje a Berio, pero se agradeció el último homenaje a Juan-Alfonso y el estreno de su alumno García Román con el que pude charlar al final del concierto, el excelente Ravel en el arpa solista de Daniela Iolkicheva, más el descubrimiento de la pianista catalana Lluïsa Espigolé que nos dosificó entre las demás obras un Boulez de referencia que espero pueda recuperar cuando Radio Clásica lo emita.

Domingo, 13/07/2025 22:00, Palacio de Carlos V: Orquesta Sinfónica SWR Stuttgart (II), Alexandre Kantorow, piano, Pablo Heras-Casado, director. Johannes Brahms (1833-1897): Concierto para piano y orquesta nº 2 en si bemol mayor, op. 83 (1878-81); Sinfonía nº 2 en re mayor, op. 73 (1877).

Mejores impresiones en el cierre de festival con un magnífico Kantorow y un piano al fin ajustado, propinas magistrales de una madurez exquisita, más una aseada orquesta donde Heras-Casado la dejó fluir en las dos danzas húngaras( 1 y 5) de Brahms aunque sin el músculo deseado ni la agógica que dos páginas tan conocidas se merecían. Supongo queda el agradecimiento al granadino por hacerse cargo de estos dos conciertos para clausurar esta 74ª edición con el monográfico del hamburgués enterrado en Viena.

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P.D.: Tras mis experiencias del año 2023 y 2024, este año la oferta de espectáculos fue menor, lo que siempre agradezco porque se hacía difícil elegir entre tantos a la vez. Se mantiene la variedad y el espíritu original, aunque no hubo grandes nombres internacionales, apostando más por lo cercano, aún sabedor de la premura que supuso la marcha del anterior director Antonio Moral, anunciada en febrero de 2024 y la rápida elección de Paolo Pinamonti, dos perfiles totalmente distintos: uno gestor que prosigue organizando festivales en formatos variados; otro un músico integral con un enfoque a largo plazo que desea un festival a lo largo del año, abierto a nuevos públicos y con presencia de nuestro legado.

Esperamos el festival de los 75 años que seguramente marcará las nuevas líneas del veneciano ya con tiempo suficiente, esperando más recursos, y al que le deseo todo lo mejor en esta siempre difícil tarea de seguir poniendo Granada como cita ineludible en el panorama mundial de los grandes eventos musicales.

Vivencias en el 74º Festival de Granada

17/07/2025

Pablo Siana ópera, órgano, cine, clásica, conciertos, conferencias, coros, danza, guitarra, lírica, música, música antigua, Música contemporánea, piano, prensa, recital, sinfónica, viajes , , , , , , , , , , Deja un comentario

A lo largo de un mes y desde este blog he ido subiendo mis críticas y reseñas del 74º Festival de Granada, que paso a resumir en esta entrada, los conciertos que tuve que seleccionar ante la oferta inmensa, este año también asistiendo a la Danza -otra de las señas de identidad del Festival- en el Generalife y parte del FEX,

sumando alguna noche flamenca, que podéis ver y leer en las distintas entradas a ellas dedicadas, sin poder constatar en primera persona los Cursos Manuel de Falla, la versión pedagógica del Festival.

Muchas experiencias únicas e inolvidables en este 2025, tercer año al completo desde mi jubilación domo docente, y donde el sábado 21 de junio a la noche, con prórroga y mucha emoción, viví desde mi teléfono el ansiado ascenso a Primera del Mi Oviedín del alma tras 24 años de espera, recordando a mi padre que no pudo revivir este regreso, con la foto que me sacó Teresa Montellano, otra de las profesionales de la fotografía en Granada.

Mi eterna gratitud a todo el EQUIPO del Festival desde su director Paolo Pinamonti en su primera edición, pasando por la Jefa de Prensa Teresa del Río, la encantadora María José Serrano en el Patrocinio y Relaciones Externas, la insustituible Nina von Krogh en la Coordinación Artística y la mio neña Lorena Jiménez con sus «Encuentros» y «Off Stage» en las Redes Sociales para el festival, por citar sólo a mis «habituales», este año con Carlos y Alba como becarios.

También mis gracias eternas al fotógrafo, y ya amigo, Fermín Rodríguez, cuyas imágenes oficiales nunca pueden faltar en todas las entradas de mi blog, RRSS y noticias… por supuesto al amplísimo y numeroso personal (azafatas, técnicos más el «ejército de voluntarios y voluntarias») con quienes este festival funciona como un perfecto engranaje muy entrenado tras tantos años de trabajo, no siempre visible y que merecen todo mi reconocimiento vivido en primera persona.

Proseguir los agradecimiento al equipo humano de Radio Clásica con mis queridos Jesús Trujillo y Elena Horta, siempre un placer las tertulias y paseos tras los conciertos, sin olvidarme del «imprescindible» Arturo Reverter con quien compartir tanto, no solo recuerdos comunes sino toda su sabiduría de gallego en la capital madrileña.

Al personal del ambigú que el Grupo Abades montaba (y desmontaba) en el Palacio de Carlos V y en el Generalife, ya conocidos de estos tres años y que me tenían siempre fresquita «una verde» antes y después de cada concierto, siendo cada noche los que casi cerrábamos y recogíamos.

Imposible relacionar el encuentro con amistades de anteriores ediciones, granadinos ilustres, melómanos llegados de toda la geografía española y críticos de distintos medios: al «maestro» Rafael Ortega Basagoiti, con quien compartir toda su sabiduría, Pablo L. Rodríguez, José Manuel Ruiz, José Antonio Lacárcel, José Antonio Cantón, Justo Romero, Alejandro Fernández «mi boquerón» junto a Paco Naranjo, por citar solo a unos pocos sin dejarme a Mercedes García Molina, profesora de música que espero tenga un buen destino el próximo curso, gran crítica y orgullosa madre además de cantante a quien disfruté desde mi butaca en palacio.

Reencuentros con Mercedes Pérez Villena o Paloma Viana (con mi querido paisano Nacho de Paz) a los que sumar «nuevos fichajes» como al inclasificable profesor Luigi (de madre ovetense) o ponerle cara al director artístico de la Sociedad Filarmónica de Burgos, José Miguel González.

Especial ilusión la visita de mi amigo el abogado mexicano Mario Herrera que me acompañó el día de mi santo en el concierto matinal, café en mano, haciendo un paréntesis en su largo periplo profesional por España, y al que volveré a ver, si nada lo impide, en Oviedo a finales de septiembre.

Siempre una mención especial al Colegio Mayor Santa Cruz La Real, mi segunda casa en otro mes granadino donde me trataron con la cercanía y cariño del «colegial repetidor» y todas las atenciones inmerecidas para este melómano noctámbulo (no solo por los horarios de los conciertos).

Gracias a Laura y Perico durante la semana, junto a Óscar y Natalia por «dar de comer al hambriento», a mis «guardianes» Paqui, David, Samuel y Manolo (by night), junto a todo el personal de limpieza, con el resto de trabajadores de un alojamiento increíble donde conviven los Padres Dominicos (Don Antonio Larios a la cabeza) y muchos grupos de estudiantes.

Cada día y cada noche hay que descubrir Granada, embrujo y magia, tapas con cerveza de la tierra (también malagueña), el Pub irlandés (Hannigan & Sons) con una Doble IPA de Almuñecar, que repetiría más de una noche con un camarero que conocía las Danzas húngaras de Brahms (!),

y entre mis habituales paradas por el Realejo citar el Rosario Varela (con las tapas más originales de Granada), las plazas de Santo Domingo (en La esquina de Juande) o de Carlos Cano (siempre sonando en mi cabeza) en Disloque…

Volver a visitar mi oficina de «La Auténtica Carmela» en la calle Colcha, viendo la espalda de la estatua dedicada a Yehuda Ibn Tibon para seguir disfrutando de su carta, amabilidad y profesionalidad de todo el personal, agradeciendo un trato de «vecino»,

y el apoyo al Real Oviedo cada vez que vestía gorra o camisetas, extensible a tanta gente con la que me cruzaba por la capital nazarí, alegrándose de la vuelta a la máxima categoría del fútbol nacional.

No quiero dejarme otra parada «obligada» en la Plaza de la Trinidad a comer un salmorejo exquisito tras los conciertos matutinos en San Jerónimo, y donde compartí sobremesas con alemanes, sirios, ingleses y suecos (Granada siempre es internacional).

En otra entrada colocaré un resumen con los enlaces (links) a todas las reseñas de mis 33 conciertos en 8 espacios y  25 días… tengo que dejar algo más estrictamente musical aunque sin nada de lo anterior no hubiera sido lo mismo.

En casa iré retomando la normalidad y los horarios con todas las novedades que no faltarán desde este blog.

Pájaros nocturnos

08/07/2025

Pablo Siana conferencias, libros, música, Música contemporánea, piano, prensa, recital, viajes , , , , , , 2 comentarios

74º Festival Internacional de Música y Danza de Granada (día 19). Recitales.

Lunes 7 de julio, 22:00 horas. Patio de los Arrayanes. Pierre-Laurent Aimard, piano. Olivier Messiaen: Catálogo de aves (Catalogue d’Oiseaux). Fotos propias y ©Fermín Rodríguez.

Como bien presentaba la web, este día de San Fermín sería El día de los pájaros:

Pierre-Laurent Aimard (Lyon, 1957) es, entre las grandes estrellas del piano, uno de los artistas que en el último medio siglo más atención ha prestado a los repertorios contemporáneos, comprometiéndose a menudo con proyectos especiales. Este lo es: un viaje único a través del Catalogue d’Oiseaux de Olivier Messiaen, obra monumental inspirada en los cantos de las aves que el genial compositor francés escribió entre 1956 y 1958 y dedicó a la pianista Yvonne Loriod, que sería desde 1961 su segunda esposa y que fue profesora de Aimard en el Conservatorio de París. En un formato excepcional, el pianista lionés interpretará las trece piezas de este ciclo en cuatro recitales, repartidos de la mañana a la noche por otros tantos lugares emblemáticos de la colina de la Ahambra. Y como colofón, antes del último recital en el Patio de los Arrayanes, el conocido naturalista madrileño Joaquín Araújo ofrecerá una conferencia sobre las aves y las sonatas del bosque.

Al pianista lionés tuve el placer de escucharlo hace diez años en Oviedo con un monográfico dedicado a Bach nada menos que con ¡el primer cuaderno al completo! de El clave bien temperado, por lo que al ver programado este monográfico ornitológico de Messiaen (Aviñón, 1908 – Clichy, 1992) que ya grabase en 2018, y recordando que además fue su maestro, en cierto modo no me sorprendió del todo (la duración total ronda las dos horas y tres cuartos), si bien la novedad radicaba en hacerlo durante cuatro sesiones el mismo día con cuatro escenarios distintos de la Alhambra, siendo el último precedido de una conferencia del naturalista y escritor Joaquín Araújo (sus intervenciones radiofónicas además de su archivo sonoro, como el de Messiaen, ha sido único) en el Palacio de Carlos V. Por cuestiones de aforo y horarios, tan solo pude asistir al de la noche en el Patio de los Arrayanes, que siempre es especial  y mi preferido de los recintos históricos del festival granadino. En todo Catalogue el compositor llega a emplear las vocalizaciones de 77 aves, organizando esta monumental obra en 13 cuadernos o cahiers, repartidos, a su vez, en 7 libros, más quiero añadir otra curiosidad: «la clasificación de los trece cuadernos en cada uno de estos siete libros proyecta un planteamiento bastante original, pues conforma un patrón numérico en forma de palíndromo (3-1-2-1-2-1-3). Tanto los números 1, 2 y 3, como el total de cuadernos (13) y el número de libros (7) son números primos», tal y como explica Gregorio Benítez en la web de la revista Melómano.

Como estoy rodeado de excelentes críticos, a algunos les leeré cuando publiquen para hacerme una idea de cómo fueron estos «Pájaros monumentales» aunque también en la tertulia posterior comentamos un mínimo avance del resultado y de este último compartido, con las fotos de ©Fermín Rodríguez que son las ilustraciones perfectas de los conciertos de este lunes.

Toda una experiencia como la vivida por Luis Gago que explica y relata en sus extensas notas al programa:

Y ¿hasta qué punto plasmó Messiaen con precisión los cantos de pájaros que llevó luego a los pentagramas? Él mismo aventuró una respuesta en 1959: «Todo es preciso: las melodías y ritmos del solista, los de sus vecinos, el contrapunto entre los dos, las respuestas, conjuntos y momentos de silencio, así como la correspondencia entre la canción y el momento del día. Los pájaros por sí solos son grandes artistas. ¡Son ellos quienes son los verdaderos compositores de estas piezas! Si en ocasiones decae la calidad musical, ello se debe a que el compositor, afuera en el campo, ha salido torpemente de su escondite o ha provocado un ruido perturbador al moverse con sus pies sobre la gravilla, al pasar una página o al tronchar una rama seca».

Quienes me conocen saben que soy noctámbulo por naturaleza, y poder escuchar la elección de Pierre-Laurent Aimard () para cerrar este «maratón Messiaen» parecía relatar mi propia historia con dos números del Livre 3, el V. La Chouette Hulotte (El cárabo. Strix aluco) y el VI. L’Alouette Lulu (La alondra totoví. Lullula arborea), y finalmente el VII. La Rousserolle effarvate (El carricero común. Acrocephalus scirpaceus) del del Livre 4.

Escuchar El cárabo me llevó a la pareja que anidaron muchos años en el bajo-cubierta de mi casa en Siana, el planeo desde el castaño al atardecer y los ruidos que escuchaba en el techo de la habitación hasta poder asomarme y verles sobre el calderín, hasta el día en que se colaron por la chimenea y mi primo David los devolvió a su guarida tras camuflarse debajo de las lámparas del salón y del despacho. Así sentí este número quinto que describe el lado más aterrador de la noche a través del curioso empleo de procedimientos seriales destinados a evocar la oscuridad, el miedo y la tenebrosa soledad de un bosque habitado por los aullidos de estas rapaces nocturnas como «mi» cárabo, el búho chico o el mochuelo.

Si la partitura de Messiaen es increíble, la interpretación de Aimard recrea por línea directa todo el lenguaje de su compatriota: el piano creando atmósferas que el estanque de los Arrayanes decoraba cual «video mapping» en el Palacio de Comares, manejo de todos los matices cuidados cual acuarelas para reflejar en el instante cada color, un piano cristalino como el agua y evocador de vuelos, noches de incertidumbre y la elegancia del planeo del cárabo.

La alondra totoví revoloteó, se posó, el piano trinaba en una sonoridad aguda controlada con una técnica y expresión únicas, el ritmo libre de un vuelo cantaba mientras los graves resonaban poderosos para «observar» con el oído una vegetación mecida por una breve brisa que solo Aimard puede plasmar con la hondura, conocimiento y expresividad escrita por Messiaen, y dos aviones sobrevolando como alondras tecnológicas de un tiempo eterno. Si el canto de esta alondra está constituido por una estrofa larga, que comienza de manera relativamente lenta, pero avanza con rapidez, acelerándose y haciéndose progresivamente más grave, el piano recreó lo capturado en la partitura por el «ornitólogo».

Y llegaba el enorme nocturno final con el carricero común, una estampa sonora de este pájaro hermoso, de tonos pardos uniformes y canto agradable, que busca las principales zonas húmedas del litoral y de los valles fluviales de la Península Ibérica y Baleares, ocupando formaciones de vegetación palustre, «visibilizándolos» en la música de Messiaen y su mejor intérprete, casi transmutación del carricero, un migrador transahariano que visita nuestro país y esta noche comía los insectos que el piano «capturaba». Casi treinta minutos donde degustar un piano colorido, rotundo, descriptivo, capaz de silenciar la noche con un aleteo en el agudo que nos hacía buscar en el cielo granadino si era un pájaro o la música quien protagonizaba esta noche nazarí.

Pierre-Laurent Aimard el mejor naturalista al piano, concentrado, entregado, mago del sonido, impecable ejecución y un intérprete que traduce al compositor como nadie en la actualidad.

Otro de los conciertos para recordar de esta 74ª edición que ya entra en su última semana, e iré contando puntualmente desde aquí.

PROGRAMA COMPLETO:

10:00: Fundación Rodríguez-Acosta

Pierre-Laurent Aimard, piano (1)

Olivier Messiaen (1908-1992)
Catalogue d’Oiseaux (Catálogo de aves. 1956-1958)

IV. Le Traquet stapazin

IX. Le Bourcarle

XII. Le Traquet rieur

12:30: Iglesia de Santa María de la Alhambra

Pierre-Laurent Aimard, piano (2)

Olivier Messiaen
Catalogue d’Oiseaux

XI. La Buse variable

VIII. L’Alouette Calandrelle

II. Le Loriot

III. Le Merle bleu

19:00: Parador de Granada

Pierre-Laurent Aimard, piano (3)

Olivier Messiaen
Catalogue d’Oiseaux

I. Le Chocard des Alpes

X. Le Merle de roche

XIII. Le Courlis cendré

20:30: Palacio de Carlos V

Encuentro con Joaquín Araújo (naturalista y escritor)

22:00: Patio de los Arrayanes

Pierre-Laurent Aimard, piano (y 4)

Olivier Messiaen
Catalogue d’Oiseaux

V. La Chouette Hulotte

VI. L’Alouette Lulu

VII. La Rousserolle Effarvate

Cohen, Lorca… y Granada

27/06/2025

Pablo Siana conferencias, danza, folklore, guitarra, jazz, lírica, libros, música, Música contemporánea, prensa, recital, viajes , , , , , , , , 1 comentario

Encuentro-homenaje Federico García Lorca y Leonard Cohen (Cátedra Leonard Cohen)

Este jueves 26 de junio tuvo lugar en Granada “Cohen & Lorca. Ecos de la amistad cultural entre España y Canadá”, un encuentro homenaje a las figuras de Federico García Lorca y Leonard Cohen. El poeta granadino y el cantautor canadiense volvieron a unir sus nombres y su obra gracias a una iniciativa de la Embajada de Canadá en España, a la que se han unido el Centro Federico García Lorca y la Cátedra Leonard Cohen de la Universidad de Oviedo, que conviene recordar se creó tras el Premio de la Fundación P. de Asturias (FPA) de poesía en 2011 al canadiense, donando el premio en metálico con el que mi universidad  crearía una cátedra única, pudiendo saludar a mi querida Miriam Perandones, musicóloga y que también fue directora de esta cátedra desde 2016 hasta febrero de 2022, hoy presente en estos actos.

A las doce de la mañana en Granada, con la presencia de Jeffrey Marder (embajador de Canadá en España), Laura García Lorca (del Centro Federico García Lorca) y José Errasti (director de la Cátedra Leonard Cohen de Oviedo), se hizo el descubrimiento de una placa que recuerda este homenaje con el que se pretende rendir tributo a dos figuras que han reunido en sus creaciones un universo cultural y poético con innumerables puntos de conexión, un tributo con voluntad de perdurar en el futuro con el fomento de actividades que den a conocer la obra y los puntos comunes de ambas personalidades.

Y a las siete de la tarde, tras 40 minutos de cola, se abrían las pertas del auditorio del Centro Federico García Lorca, con unas palabras previas de Laura García Lorca, Errasti y el embajador de Canadá en España.

A continuación ocuparía la mesa sobre el escenario del auditorio la doctora en Literatura Española por la Universidad de Cádiz Elena Caballero, que expondría los aspectos más importantes de su tesis “La influencia de García Lorca en Leonard Cohen”, presentada por Fernando Navarro (periodista de El País), que moderaría el coloquio posterior donde participaron Jose Manuel Medina (de la Fundación Enrique Morente), y Chema Cano (autor del libro «Seis acordes»).

La ponencia de la doctora Caballero se limitaría a 20 minutos por cuestiones de tiempo y organización, que arrancaba un viernes 21 de octubre de 2011 viendo en TVE la entrega de los premios de la FPA con su madre asturiana, donde quedó enamorada de Leonard Cohen tras su discurso. En su exposición nos habló de «un viaje de referencias», la relación entre poesía y música, Montreal y Granada, con dos caminos: analizar las traducciones de Lorca al inglés, y la huella textual de Lorca en muchos temas propios de Leonard Cohen.

No podía faltar el recuerdo al asturiano Manolo Díaz (entonces en CBS) quien recogió al canadiense en el aeropuerto de Madrid, y durante el trayecto en taxi de Barajas al Hotel Palace (entonces casi una hora), le fue hablando del proyecto del disco «Poetas en Nueva York» donde quería contar con él junto a otros cantautores del momento. Solamente le miraba y finalmente le contestó: «mi hija se llama Lorca Cohen».

Después vendría el encargo a Cohen, la traducción o mejor adaptación del Pequeño vals vienés, 150 horas de trabajo para su Take This Waltz. Pero no solo este tema (que se haría tan popular), también The Gypsy’s Wife (1979), otra fascinación para Cohen y la que más influye por su escenario poético de la mujer que enlaza con Bodas de sangre según Elena Caballero.

No faltaron las referencias al último concierto en Sevilla de Lola Índigo o Silvia Pérez Cruz como transmisoras actuales de Lorca en sus RRSS para un público adolescente, pero especialmente Enrique Morente quien tras descubrir “el vals de Cohen” conocerá Poeta en NY y lo llevará a su disco “Omega”, una verdadera locura que un flamenco cante a Lorca con un grupo de rock como Lagartija Nick. Gracias a estos artistas aún mantenemos el legado de Federico.

Finalizada la ponencia vendría la mesa redonda donde todos mostraron la adoración por Cohen. Así Chema Cano contaría cómo ficciona en su libro “Seis acordes” y la admiración común por Cohen porque es un “contador de historias”, como en el discurso de la entrega del premio, o Dylan (otro galardonado cuatro años antes en los Premios), el Montreal de entonces para un canadiense de familia judía, su primera guitarra de 2ª mano, las influencias y emociones. Navarro también citaría a Dylan, los trovadores y unas letras por las que pregunta a Elena y cómo influye la faceta de músico en Lorca, quien contesta que toda su obra está cargada de musicalidad, un músico que se asienta como poeta, al revés que Cohen. Fernando preguntaría a Medina y a Chema del «Universo Cohen» qué influyó en Morente, con el que se cerraba la ponencia, y la unanimidad: la libertad.

Proseguiría el coloquio con un público no muy participativo, aunque surgió el tema  de las RRSS que transmiten esas letras y música, hasta los diseños, y aunque a mi generación le parezca triste, está claro que al menos la calidad de los textos de los artistas actuales es volver a mirar la música de nuestros abuelos o el recuerdo a Carlos Cano quien actualizó y «recuperó» la copla como están haciendo esta generación digital de cantantees.

El broche musical lo pondrían Rafael Liñán (voz y guitarra), Juan Trova (voz, guitarra y banjo), más Eva Manzano (baile), que comenzaría como era de esperar con Liñán cantando Take this waltz, estribillo coreado por el público. Trova además de agradecer este hermanamiento que en estos tiempos haya muchos más. Y este trío para la ocasión versionaría el romance de Las morillas de Jaén, con Eva bailando.

Siguiente tema con los tres, Rafael Cohen, Trova al banjo y los «jaleos» de Manzano para otro «hit» cantado por el público, Dancing to the end of love con ese aire flamenco sin perder el original.

Trova recordó a Paco Ibáñez que tanto ayudó a difundir el poema de Lorca El lagarto está llorando, en una versión llevada al blues por Juan y cantado también Eva, con alternancia de estrofas.

Regreso a Cohen con Rafa cantando y Trova al banjo en So long Marianne, y el estribillo coreado por un público entregado y conocedor tanto de Federico como de Leonard, que como comentaba Eva al finalizar el tema, unir danza, música, poesía es estar “en la misma gloria”.

Paco Ibáñez fue pionero en musicar a nuestros poetas, y en su disco de 1964 la portada tenía una pintura de Dalí como bien recordó Juan antes de hacernos su versión de la Canción del jinete, trío lorquiano con el sentido baile de Eva. Y una oración como Hallelujah, bailado y cantado por todos los presente siendo de lo más aplaudido antes de cerrar círculo con el Pequeño vals vienés, cantado por Juan Trova, en castellano con el punteo de Rafa y el baile de Eva, el mismo y distinto vals que Lorca inspiró.

Pasadas las nueve de la noche y con las campanas de la catedral repicando, saludos varios, un cerveza para refrescar y raudo me dirigiría al Hospital (Real)… que ya lo conté antes de esta reseña. Viva Cohen, Lorca y Granada…

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